Déjantés du ciné

Enfin les vacances

Tchopo — Sat, 19 Jul 2008 16:31:00 GMT

Durant un petit mois, le blog restera ouvert mais ne sera plus mis à jour. Cela vous laissera le temps de lire les critiques (bientôt 100 !!!) et de lire le long compte rendu du NIFFF. Sinon, n'oubliez pas de répondre au petit sondage ci-dessous.

Sondage

Tchopo — Sat, 19 Jul 2008 12:43:00 GMT

Sondage

PRESENTATION DU NIFFF

Tchopo — Fri, 18 Jul 2008 11:10:00 GMT

La 8^ème édition du Festival du Film Fantastique de Neuchâtel (NIFFF) s’est déroulée dans la jolie ville suisse de Neuchâtel du 1^er au 6 juillet 2008.

Le festival, qui connaît un succès grandissant, a accueilli cette année des personnalités bien connues des afficionados du cinéma fantastique comme George A. Romero, Ruggero Deodato, Hideo Nakata, Lamberto Bava, Jaume Balaguero, Idriso Ortiz, Francesco Barilli, Syd Mead (l’un des concepteurs des effets visuels de Blade Runner) ou encore Jess Franco, sans oublier bien évidemment les membres du jury présidé par Joe Dante et comprenant le réalisateur français Xavier Gens, le cinéaste norvégien Jens Lien et l’écrivain Lucius Shepard (pour notre part, nous avons vu Lamberto Bava, Ruggero Deodato à qui nicofeel a posé une question, Isidro Ortiz, Francesco Barilli, Jess Franco en fauteuil roulant et entraperçu George A. Romero !).

Dominé par la compétition internationale qui présentait 12 longs métrages venant de 9 pays différents, le NIFFF proposait également une compétition parallèle axée sur le nouveau cinéma asiatique ainsi que 4 rétrospectives, dont la plus importante était celle consacrée au giallo transalpin avec 13 films pour la plupart inédits en France et 2 nuits spéciales comprenant chacune 3 films.

Les 3 autres rétrospectives se divisaient ainsi : l’une était consacrée à un grand cinéaste japonais méconnu mais considéré comme le pionnier du cinéma fantastique et d’épouvante nippon, Nobuo Nakagawa (avec 5 films présentés), la deuxième proposait une sélection du nouveau cinéma horrifique espagnol (avec 4 films, dont le très bon [REC] de Balaguero), tandis que la dernière s’intéressait à la collaboration entre le prolifique cinéaste espagnol Jess Franco et le producteur zürichois Erwin C. Dietrich (avec 3 films).

Enfin, le NIFFF programmait en open air 6 films grand public, dont la version final cut de Blade runner de Ridley Scott, et proposait 2 autres sections plus spécialisées : une compétition de court-métrages et une initiation aux nouvelles images digitales.

Il est à noter que chaque film projeté (et cela dans n’importe quelle section) bénéficiait d’une petite présentation bienvenue par les organisateurs du NIFFF.

Autant dire que le programme était extrêmement chargé et que nous avons été obligés de faire des choix, à notre grand désespoir…

Bien organisé et à échelle humaine, le NIFFF proposait une ambiance sympathique et décontractée, permettant de cotoyer tranquillement aussi bien les organisateurs (et organisatrices !) du festival (tous extrêmement gentils et ouverts), les cinéastes, les critiques presse (nous avons notamment aperçu Christophe Lemaire) que les geeks de toute sorte et venant d’horizons très différents.

Par ailleurs, il faut reconnaître que la dispositions des infrastructures et le prix intéressant des boissons (surtout les bières !) et de la nourriture contribuaient à renforcer ce sentiment de proximité et de contact.

Seul petit reproche : l’enchaînement parfois très rapide des séances, mais après tout nous étions là pour ça ! D’autant que le NIFFF est une occasion unique de voir sur grand écran des raretés, des films inédits, des films méconnus ou oubliés, ou encore des programmes bis tout à fait jubilatoires…

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Mardi 1er juillet

Tchopo — Fri, 18 Jul 2008 11:09:00 GMT

The substitute (Ole Bornedal, 2007, Danemark)

Avis de Locktal :

Ce film danois, qui a fait l'ouverture du NIFFF 2008, est un sympathique mélange de teen movie et de comédie fantastique. Il met en scène une bande d’adolescents qui soupçonnent leur professeur remplaçante d’être une extraterrestre, au grand désarroi de leurs parents.

Le film s'ouvre sur un postulat dramatique qui voit le jeune héros perdre violemment sa mère lors d'un tragique accident de voiture. Cependant très amusant et dénué de prétentions, The substitute traite agréablement de l'enfance et de la difficulté du travail du deuil.

Seuls les enfants, encore innocents, arrivent à percevoir la réalité, à l'instar du célèbre E.T. de Steven Spielberg. Les adultes, trop engoncés dans leurs problèmes personnels et ayant perdu leur innocence, ne perçoivent aucunement ce qui se passe pourtant sous leurs yeux et refusent obstinément de prêter attention à ce que disent leurs enfants.

Formidablement interprété par Paprika Green (actrice vue notamment dans le génial Les idiots de Lars Von Trier) dans le rôle de la prof remplaçante et par toute une bande de jeunes acteurs confondant de naturels, The substitute procure un plaisir assez jubilatoire. Mené à un rythme effréné, le film de Bornedal ne souffre que de certains effets clippesques inutiles heureusement peu nombreux.

Bref, une agréable comédie fantastique qui se révèle même parfois assez émouvante, à voir en famille.

Avis de Nicofeel :

Réalisé par Ole Bornedal, The substitute est le film d'ouverture de la huitième édition du NIFFF. Il s'agit d'une sorte de comédie horrifique qui prend comme point de départ une alien qui s'empare de l'enveloppe corporelle d'un humain en tentant de connaître les habitudes des humains, et notamment de ce qui fait la spécificité de l'homme : l'amour ! L'alien devient la remplaçante (the substitute) d'une professeur et se montre particulièrement étrange avec ses élèves.

Elle est d'ailleurs très sévère avec ceux-ci ce qui donne lieu à plusieurs scènes hilarantes (les enfants sont humiliés par la prof, ils sont également obligés de faire des exercices sportifs très poussés). Le film est également très amusant car les adultes, et précisément les parents des élèves, demeurent incrédules lorsque leurs enfants leur déclarent qu'ils ont affaire à une extraterrestre : « Tu veux dire que tu as vu le ministre de la culture sortir d'une bulle ? » ; « Tu as vu la remplaçante dévorer un poulet vivant ? » Mais ce film n'est pas seulement une sorte de teen movie horrifique. C'est aussi une réflexion sur le deuil avec un des enfants principaux du film qui a du mal à faire le deuil de sa mère.

Si l'on excepte quelques mouvements clippesques, The substitute bénéficie d'une mise en scène agréable avec plusieurs mouvements de caméras qui le rendent dynamique. Sorte de mélange entre les goonies (pour l'aventure que vivent les enfants, qui sont les seuls à constater que cette femme complètement frapa-dingue est une extraterrestre) et l'invasion des profanateurs (avec des extraterrestres tentant de remplacer les humains), The substitute est une sympathique comédie horrifique qui comporte une excellente distribution et en premier lieu Paprika Green qui interprète parfaitement le rôle de cette femme alien déterminée et manipulatrice.

Blade runner - The final cut (Ridley Scott, 1982, USA)

Avis de Locktal :

Le célèbre film de science-fiction de Ridley Scott a été présenté dans des conditions optimales en open air, en présence de Syd Mead qui était l'un des concepteurs des effets visuels du film.

Le son notamment était au top niveau et plongeait immédiatement les spectateurs, au son de la bande-son envoûtante de Vangelis, dans l'univers cyberpunk si bien réaliste du film.

Blade runner n'a pas pris une ride. Visuellement splendide, incroyablement pessimiste et pourtant émouvant, le film continue de fasciner et génère une belle réflexion sur l'humanité, porté par l'interprétation puissante d'Harrison Ford (Deckard) et de Rutger Hauer (Batty), tandis que la superbe Sean Young (Rachael), évanescente, reste d'une beauté époustouflante.

Chef d'oeuvre ? Chef d'oeuvre !

Avis de Nicofeel :

Projection en open air sur un grand écran de Blade runner version final cut en la présence de Syd Mead, designer du film, qui a donné quelques explications (notamment que la préproduction lui a pris 8 mois !) avant que ne débute le film.

Le film a quant à lui constitué un immense plaisir. Le fait de voir sur un écran géant ce chef d'oeuvre de la SF dans une copie parfaite aussi bien au niveau du son que de l'image est un plus incontestable.

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Mercredi 2 juillet (suite du NIFFF)

Tchopo — Fri, 18 Jul 2008 11:08:00 GMT

A wicked woman (Nobuo Nakagawa, 1958, Japon)

Avis de Locktal :

Premier film de la rétrospective consacrée au réalisateur japonais Nobuo Nakagawa, pionnier du cinéma horrifique nippon, A wicked woman est un excellent mélodrame qui bénéficie d'une mise en scène élégante et raffinée.

Portrait réaliste d'une société japonaise corrompue qui brise toujours les plus pauvres, le film de Nakagawa trace la destinée d'Oden, belle jeune femme qui sombre progressivement dans le crime et mère d'une petite fille avec laquelle elle a coupé les ponts.

Clairement divisé en deux parties, A wicked woman commence comme une chronique sociale puis se poursuite en un haletant polar yakuza. La mise en scène de Nakagawa ne quitte presque jamais l'héroïne, victime qui se transforme petit à petit en bourreau.

Film profondément féministe, qui est un témoignage sans concession sur la place d'une femme dans la société, qui plus est une femme pauvre, A wicked woman ne prend jamais parti contre son héroïne, même si le cinéaste en condamne certains actes. D'ailleurs, quasiment tous les personnages du film sont duals, constamment partagés entre les notions de bien et de mal, souvent détestables, parfois remarquables, mis à part la petite fille innocente d'Oden qui sera impitoyablement sacrifiée.

Il semble que Nakagawa fasse de son héroïne une femme fatale malgré elle, entraînant dans sa chute tous les personnages (notamment les hommes) qui la cotoient.

Dans un ultime acte de rédemption, Oden se sacrifie pour Kazuma, le jeune policier amoureux d'elle qui a sombré par sa faute dans la déchéance, et lui donne le droit au bonheur, acte positif dans une société qui a conduit Oden à la scélératesse et qui ne lui permettra même pas de se suicider. Constat amer mais néanmoins important pour Oden, lui permettant un instant de redevenir humaine.

Nakagawa, dans une mise en scène stylisée et incroyablement sensuelle, montre dans un dernier plan sublime toute la compassion qu'il éprouve pour son héroïne, victime de la vie et d'une société injuste, corrompue et machiste. Un très beau métrage à découvrir.

Avis de Nicofeel :

Réalisé en 1958 par le japonais Nobuo Nakagawa, A wicked woman est un mélodrame. L'action a lieu à Tokyo puis à Yokohama au début des années 1870.

On se retrouve avec une femme, Oden, de condition modeste qui est amenée à voler pour vivre plus correctement. Oden est une femme remariée qui a eu une fille, Omitsu, avec son premier époux. Oden n'a pas revu sa fille depuis des années.

Le film est clairement ancré sous le signe de la passion amoureuse avec divers cercles sentimentaux qui se créent, Oden étant dans le rôle de la femme fatale. Ainsi, le policier Kazuma n'a d'yeux que pour Oden, de même qu'un autre homme très trouble, que l'ancien mari d'Oden, sans compter son mari actuel. Les hommes ne pensent qu'à Oden qui ressemble beaucoup à une geisha et dont les agissements sont loin d'être fameux. Ainsi, elle vole des bijoux qu'elle revend à un homme peu scrupuleux ou encore elle fait croire au pauvre Kazuma qu'elle est amoureuse de lui pour éviter la prison.

D'ailleurs, le film de Nakagawa montre une société japonaise qui souffre de maux multiples : personnages menteurs, voleurs, revendeurs d'objets volés, tueurs, kidnappeurs, etc. Mais ce portrait peu ragouttant d'une société japonaise corrompue est à nuancer.

En effet, le personnage d'Oden n'est pas détestable. Car celle-ci cherche surtout à revoir sa fille. Une fois que cette dernière disparaît, Oden souhaite principalement se venger de la gente masculine. Nakagawa livre un film très féministe. Il est en cela très en avance sur son temps. Ce cinéaste est également en avance avec l'utilisation de plans assez osés pour l'époque, qui se révèlent d'une grande sensualité comme lorsque l'héroïne est en train de prendre son bain.

A noter que le film est très soigné sur le plan de la mise en scène avec un superbe travail sur le cadre, de beaux travellings et des mouvements à la grue qui rendent ce film à rebondissements encore plus facile à regarder. Au final, voilà une découverte fort intéressante d'un auteur inconnu en France.

Shadows (Milcho Manchevski, 2007, Macédoine)

Avis de Nicofeel (le seul à voir ce film d'auteur !) :

Réalisé en 2007 par le cinéaste macédonien Milcho Manchevski, Lion d'or à Venise en 1994 pour Before the rain, Shadows raconte l'histoire d'un jeune médecin, marié et père d'un petit garçon, qui a survécu miraculeusement à un accident de voiture. Comme son titre l'indique, le film est traversé par des ombres.

Ainsi ce fameux médecin a des visions et parle à des personnes qu'il est le seul à voir. Le film introduit dans le quotidien le plus banal (l'appartement du médecin, une maison à la campagne, la maison de vacances des parents du médecin) des êtres très étranges : une vieille femme qui s'exprime dans un ancien dialecte, un homme peu prolixe qui vit avec son bambin dans l'appartement voisin de celui du médecin, une jeune femme censée être l'épouse d'un célèbre professeur de langues.

Le fantastique est omniprésent avec ces êtres qui semblent sortis de nulle part et qui font penser à des fantômes. Mais Shadows est aussi et surtout un film intimiste avec le jeune médecin dont on nous révèle la vie personnelle. D'ailleurs on peut faire un parallèle entre l'apparition des visions et une vie familiale qui devenue chaotique. Le héros semble désespérément seul, vivant sans sa femme (qui le trompe avec un playboy) et son fils. Le médecin voit en outre ses relations avec ses parents se dégrader progressivement. Il faut dire que le médecin a survécu à son accident en faisant la promesse de remplir une mission ; ses parents ne sont pas de leur côté décidés à l'aider dans cette quête qui les implique directement.

On notera que le héros souffre tant de ses visions que de la solitude qui le pousse d'abord à se masturber puis à faire l'amour avec une autre femme ce qui donne lieu à des scènes érotiques bien appuyées de la part du réalisateur.

D'une durée de deux heures, Shadows souffre de sous-intringues multiples et de la redondance de certaines scènes. Le réalisateur aurait pu être plus concis, d'autant que le scénario du film est finalement assez classique. Au final, ce film fantastique s'avère assez intéressant, malgré quelques longueurs et quelques scènes érotiques pas vraiment indispensables.

L'effroyable secret du docteur Hichcock (Riccardo Freda, 1962, Italie)

Avis de Locktal :

Petit classique du cinéma gothique transalpin, ce film de Freda n'a rien perdu de sa force et de la fascination qu'il engendre.

Ouvertement inspiré par le cinéma de la Hammer et celui de Hitchcock (dont le film reprend certaines des plus célèbres scènes du maître anglais, dans des films comme Rebecca ou Soupçons), L'effroyable secret du docteur Hichcock est un admirable poème visuel, qui bénéficie de l'interprétation fièvreuse de la légendaire icône gothique Barbara Steele. Il se démarque de ses illustres prédécesseurs par une utilisation magistrale de la couleur, qui fait de chaque plan un véritable tableau, et par une perversité insidieuse encore peu commune à l'époque. Le film traite en effet ouvertement de la nécrophilie (dont souffre le docteur Hichcock) et plus largement de l'emprise que peut avoir une morte sur son entourage, avec une subtilité remarquable, rendant chaque personnage particulièrement ambigu.

Freda apporte au film a mise en scène raffinée, qui transcende une trame somme toute classique. Véritable manifeste gothique, L'effroyable secret du docteur Hichcock n'oublie aucun effet de ce courant : pluie incessante, orage menaçant, château isolé rempli de secrets, chat noir inquiétant, portes qui grincent, gouvernante ténébreuse, ombres terrifiantes, fantôme évanescent,... tous ces éléments étant portés par Freda à un point paroxystique.

La pauvre Barbara Steele se trouve entraînée malgré elle dans un complot qui la dépasse, naviguant sans cesse entre réalité et folie, victime idéale.

Le suspense, savamment entretenu, traversé de fulgurances surréalistes ou oniriques, va crescendo jusqu'à déboucher sur la découverte du fameux secret, qui n'est finalement rien d'autre qu'un acte d'amour fou.

Après le génial Le masque du démon de Mario Bava (avec la même Barbara Steele), Freda apporte avec L'effroyable secret du docteur Hichcock la deuxième pierre angulaire du cinéma gothique italien, qui se déguste avec un plaisir chaque fois renouvelé.

Orgasmo (Umberto Lenzi, 1969, Italie)

Avis de Locktal :

Giallo insolite et délirant datant de 1969, Orgasmo est le premier des trois célèbres sexy giallos (qui sera suivi par Si douces si perverses et par Paranoïa, interprétés par la même actrice Carroll Baker) réalisé avec un savoir-faire indéniable par l'inégal Umberto Lenzi, capable du meilleur (comme les excellents Spasmo ou La rançon de la peur) comme du pire (Cannibal ferox, pourtant l'un de ses films les plus connus).

Magistralement interprété par la charmante Carroll Baker et l'inquiétant Lou Castel, le film est une véritable curiosité, mélange improbable de thriller et de drame psychologique, le tout de déroulant dans une atmosphère décadente, délétère, basée sur des jeux de domination et de soumission, un peu à l'instar des films de Joseph Losey comme le sublime The servant, mais ici dans le cadre du cinéma bis.

Incroyablement audacieux et pervers, Orgasmo montre la descente aux enfers d'une jeune veuve milliardaire prénommée Catherine (Carroll Baker, donc), véritablement dévorée par un couple de prédateurs sans scrupule qui va finir par se l'approprier totalement, corps et âme.

Rythmé par une sympathique bande-son easy-listening qui s'avérera jouer un rôle fondamental dans l'intrigue du film, Orgasmo est nimbée d'une ambiance sensuelle mais inquiétante, où le danger peut arriver de toute part. Lenzi invite le spectateur à partager le point de vue unique de Catherine, qui se transforme progressivement à l'état d'animal, elle qui était si resplendissante au début du film.

Aux limites de la folie, Catherine ressemble un peu aux héroïnes hitchcockiennes, telles l'Alicia Huberman de Les enchaînés, et finit par sombrer dans la déchéance physique et morale au contact d'êtres malfaisants.

Constamment passionnant et tordu, dynamité par la mise en scène baroque de Lenzi qui s'autorise des plans d'une folle audace et qui utilise dans ce film admirablement le zoom, psychédélique et ouvertement sexuel (le film a été tourné en pleine révolution sexuelle), Orgasmo débouchera sur un twist final des plus inattendus, qui laissera le spectateur pantois.

Au final, c'est une très belle réussite de Lenzi, vénéneuse et jubilatoire, qui mériterait une plus large diffusion. A noter que Bertrand Tavernier est crédité au générique d'Orgasmo comme assistant réalisateur !!

Avis de Nicofeel :

Réalisé en 1969 par l'inégal Umberto Lenzi qui est notamment connu pour son film Cannibal ferox (un de ses plus mauvais films), Orgasmo est pour sa part dans la veine giallo (Spasmo) du cinéaste transalpin.

Orgasmo est un pur film de la fin des années 60, qui ont été marquées par la révolution sexuelle. C'est une époque où certains réalisateurs osent tout, ce que va nous prouver sans ambages Umberto Lenzi. Sur une musique easy listening typique de l'époque, Orgasmo narre les mésaventures d'une jeune veuve milliardaire, la belle Catherine (interprétée par l'actrice américaine Carol Becker) qui introduit dans sa somptueuse villa un jeune homme (joué par le français Lou Castel) qui lui plaît beaucoup.

Mais cette rencontre va constituer pour elle le début des ennuis, surtout lorsque le jeune homme fait venir dans la villa celle qui est supposée être sa soeur. Situé entre le giallo et le film policier, Orgasmo est un trip visuel et sensoriel. On suit la déchéance de la riche Catherine qui est malmenée par ses deux invités, lesquels la droguent, lui font boire de l'alcool ou écouter de manière continue la même musique. Tout ceci dans le but évident de la faire craquer nerveusement et physiquement.

Avec un côté très hitchcockien, Umberto Lenzi montre cette femme qui sombre progressivement sur le plan mental. La vision de l'héroïne qui se dédouble, les danses qu'elle effectue en boîte de nuit ou encore son état éméché sont des éléments qui caractérisent sa descente aux enfers.

La fin du film, particulièrement cynique, est sans concessions. Giallo complètement fou où Umberto Lenzi ose tout, Orgasmo est un film à découvrir de toute urgence.

Sparrow (Johnnie To, 2008, Hong Kong)

Avis de Locktal :

Après le génial Exilé et le jubilatoire Triangle (tourné avec, excusez du peu, Tsui Hark et Ringo Lam), Johnnie To change de registre et aborde avec Sparrow la comédie policière avec une subtilité et une légèreté étonnantes.

Au son d'une bande-son jazzy dissonante, To semble calquer le mouvement de Sparrow sur le rythme musical, donnant naissance à des scènes dérythmées nimbées d'une grande force poétique.

Aux limites du surréalisme, le célèbre cinéaste hongkongais s'intéresse à quatre pickpockets (dont l'un prénommé Kei et interprété par l'excellent Simon Yam, acteur-fétiche de To), surnommés « sparrow » (moineaux en anglais), frères de surcroît, qui croisent le chemin d'une jeune femme belle et mystérieuse nommée Chung Chun-lei (incarnée par la magnifique Kelly Lin, autre habituée du cinéma de To), qui va les réunir dans une course-poursuite haletante, burlesque et insolité, après les avoir séduit un par un.

Chung Chun-lei est filmée par To comme un moineau (sparrow) qui cherche à tout prix à sortir de sa cage trop dorée et qui est prête à tout pour le faire. Elle devient le détonateur du film, celle qui va éveiller le désir de ces quatres pickpockets endormis, se comportant comme des adolescents attardés, et qui va donner un but à leur vie.

Mélange improbable de burlesque edwardsien, de comédie sentimentale et de polar classieux, Sparrow est un film déroutant mais fascinant, tout en valse-hésitations (comme les personnages), virtuose et attachant, où To démythifie avec jubilation les archétypes : les pickpockets ne sont que des petits garçons et la femme fatale qu'une gentille princesse qui rêve de voler de ses propres ailes. Les protagonistes ne cessent de courir dans tous les sens mais font toujours du surplace, prisonniers de leurs habitudes, comme des moineaux en cage.

Pourtant, il suffit d'un rien pour faire naître à nouveau la flamme : l'image d'une jeune femme (Chung Chun-lei, donc) inquiète et fuyante à travers l'objectif de Kei (Simon Yam), jeune femme qui se démultiplie en quatre afin de ressouder nos quatre pickpockets.

Alors, alors seulement, les archétypes peuvent reprendre vie : de robots ils deviennent humains. Leurs valse-hésitations peuvent ainsi se transformer en un magnifique ballet en marche (la scène anthologique des parapluies), qui avance cette fois véritablement pour libérer la princesse de sa cage et se libérer eux-mêmes.

Sparrow est un film tout en courbes heurtées et en lignes brisées, qui tend vers la ligne droite pure qui permettra de ravancer dans la vie. La mise en scène de Johnnie To est absolument magistrale, se calquant sans cesse sur les mouvements hésitants des protagonistes et inscrivant ceux-ci dans sa ville, Hong Kong, qu'il filme à nouveau comme personne et dont il utilisera d'ailleurs dans le générique final de vraies photos représentant la ville, car Sparrow est aussi et surtout une véritable déclaration d'amour à Hong Kong.

Le film est une éclatante réussite de To, dans un registre où on ne l'attendait pas forcément, dans la lignée de son très beau Judo, qui démontre la grande sensibilité de son auteur qu'on a catalogué à tort comme metteur en scène d'un univers seulement masculin. Il suffit de voir avec quelle sensualité To filme la très belle Kelly Lin, admirablement mise en valeur...

Avis de Nicofeel :

Réalisé en 2008 par l'excellent cinéaste hongkongais Johnny To (auteur notamment de PTU ou récemment du magnifique Exilé), Sparrow (qui signifie moineau) est une sorte de comédie qui s'inspire de l'humour burlesque d'un Blake Edwards.

D'ailleurs Johnny To a arrêté plusieurs fois la réalisation de ce film, qu'il a effectué en même temps que deux films plus « sérieux ». De l'avis même de son auteur, qu'on ne contredira pas pour l'occasion, Sparrow est une pure récréation. Il faut dire que l'ambiance du film est clairement tournée vers la comédie avec l'acteur fétiche de Johnny To, à savoir Simon Yam, qui interprète un pickpocket qui agit en bande avec trois autres acolytes.

D'entrée de jeu, avec une mise en scène très fluide qui fait penser à l'envol du fameux moineau, Johnny To montre les agissements de quatre lascards qui paraissent pourtant bien sympathiques. Chacun d'entre eux va être piégé par une jeune femme, interprétée par la belle Kelly Lin, qui va les séduire à tour de rôle dans un but bien précis que l'on découvrira par la suite. La séduction de ces quatre hommes est assez drôle avec par exemple un petit gros qui est dragué dans un ascenseur avec un ballon qui se place entre celui-ci et la jeune femme. Un des autres protagonistes, qui joue dans les casinos à ses heures perdues, se retrouve à faire un concours à l'alcool avec la jeune femme et, alors qu'il pensait lui subtiliser sa montre, c'est au contraire lui qui perd la sienne, ainsi que le concours d'alcool. Par la suite, les quatre hommes se retrouvent tabassés à tour de rôle par un homme influent de Hong Kong, monsieur Fu, lequel « possède » le personnage interprété par Kelly Lin. Après leur passage à tabac, les quatre camarades sont tous handicapés d'une façon ou d'une autre avec l'un qui a le bras cassé, l'autre une jambe cassée, etc.

En fait, Kelly Lin représente par son personnage le fameux moineau que l'on voit à plusieurs reprises et qui souhaite quitter sa cage. Elle a besoin de ces quatre hommes pour récupérer sa liberté. On notera que c'est la première fois que Johnny donne autant d'importance dans un de ses films à une femme.

Sparrow, sur un ton un peu plus sérieux sur la fin, laisse la part belle à de nobles valeurs telles que le sens de l'honneur (le combat final avec les parapluies) et l'amitié. Le film est très humaniste dans son fond.

Si Sparrow reste, à n'en pas doute, un To en mode mineur, le film n'en n'est pas moins intéressant, d'autant qu'il est très bien mis en scène et qu'il s'agit d'une oeuvre atypique dans la carrière de ce cinéaste.

Dance of the dead (Gregg Bishop, 2008, USA)

Avis de Locktal :

Agréable mélange de teen movie et de film de zombies, Dance of the dead est un film assez amusant et très con, qui pêche cependant par son manque flagrant d'ambition et par sa trame sans surprise.

Gregg Bishop connaît bien les codes du teen movie à la John Hughes (réalisateur des célèbres Breakfast club ou encore La folle journée de Ferris Bueller), s'en moque un peu mais hélas n'en tire jamais une véritable satire, comme peuvent le faire un Joe Dante ou un Paul Verhoeven.

Bishop mixe ces éléments avec un succédané du célèbre Carrie de Brian De Palma (avec le bal des lycéens qui se transforme en carnage), sans atteindre non plus la virtuosité et la profondeur de De Palma.

Il en résulte un film plutôt sympathique mais qui s'oublie aussi qu'il aura été vu. Dance of the dead est par ailleurs handicapé par l'illisibilité de ses scènes d'actions, hâchées par un montage trop frénétique (ce type de montage cut est hélas un syndrome contemporain...).

Le film se veut une caricature parodique mais ne dépasse jamais le stade de la caricature (encore moins de la parodie, donc) justement. Il plaira à coup sûr aux adolescents mais ne convaincra pas forcément les fantasticophiles, même si çà et là, on y décèle des références intéressante, comme les films de zombies de George A. Romero, le culte Dellamorte dellamore de Michele Soavi (avec notamment le gardien du cimetière, aussi déjanté que le personnage de Rupert Everett dans le film précité) ou encore L'armée des morts de Zack Snyder (pour la vivacité et la rapidité incroyable des morts-vivants).

Mais des références n'ont jamais fait un long-métrage. Du coup, Dance of the dead reste une oeuvre tout à fait anecdotique, malgré un certain plaisir qu'on peut éprouver à la vision du film...

Avis de Nicofeel :

Réalisé en 2008 par l'américain Gregg Bishop, Dance of the dead est une comédie horrifique dont l'action se déroule à l'occasion d'un bal de fin d'année.

Le cadre du film est purement américain avec ce fameux bal. Pour leur part, les protagonistes sont de purs archétypes d'étudiants américains : on retrouve le bad boy, le rocker, la pom-pom girl, les intellectuels passionnés de sciences. Ce film part du principe qu'en raison de la présence de centrales nucléaires, des morts sont revenus à la vie. Ce qui donne lieu au début du film à une scène qui s'inspire du cultissime Dellamorte Dellamore de Michele Soavi. Par ailleurs, à l'instar du film L'armée des morts de Zack Synder, les zombies sont ultra rapides et attaquent les êtres humains à la vitesse grand V.

Disposant d'un scénario particulièrement indigent, Dance of the dead est désservi par des scènes d'action, lesquelles représentent environ la moitié du film, qui sont confuses car filmées avec des accélérés typiques du filmage MTV. Le film finit par donner bien mal au crâne avec cette réalisation pour le moins chaotique. Gregg Bishop filme n'importe comment et on sent bien que le bonhomme n'est pas un grand cinéaste.

Heureusement, son film demeure supportable car il comporte une dose d'humour qui se révèle communicative. Le film est sans prétention et ses héros sont bien sympathiques. Plusieurs scènes sont très drôles, comme lorsque le professeur se moque au début d'un de ses élèves j'en-foutiste, lorsque les jeunes cherchent leurs cavaliers et cavalières pour le bal, lorsque les zombies se montrent étrangement sages au moment où ils entendent un concert de rock, lorsque le militaire aide les jeunes à se révolter contre les zombies.

Au final, malgré un filmage exaspérant, un scénario indigent et un côté teen bien marqué, le film de Gregg Bishop se suit sans mal car l'humour, bien senti, est omniprésent.

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Jeudi 3 juillet (suite du NIFFF)

Tchopo — Fri, 18 Jul 2008 11:07:00 GMT

Torso (Sergio Martino, 1973, Italie)

Avis de Locktal :

Dernier giallo réalisé par l'inégal Sergio Martino (auteur du célèbre giallo La queue du scorpion mais aussi de L'alliance invisible), Torso s'affranchit des codes classiques du giallo pour inventer les prémisses de ce qu'on appellera plus tard le slasher.

Le scénario n'est qu'un prétexte pour permettre au cinéaste de se livrer à un jubilatoire jeu de massacre qui se concentre avant tout sur l'aspect voyeur du spectateur.

On pourra trouver cette méthode complaisante, mais la surenchère dans la violence et la nudité dont fait preuve Martino révèle une incroyable générosité. L'ambiance easy-listening, les vêtements, les belles actrices qui se dénudent à la moindre occasion (à l'exception notable de la jolie Suzy Kendall qui interprète l'héroïne du film, dommage...), tous ces éléments concourent à donner naissance à un spectacle purement jouissif, tout en dressant le portrait d'une époque à jamais révolue, où il semblait que tout était possible.

Si la trame du film, très linéaire, reste basique, Martino s'en donne à coeur joie et offre une mise en scène très efficace qui joue sur le fétichisme des objets et des corps et une maîtrise de l'espace assez rigoureuse. Chaque meurtre est filmé comme un rituel, se terminant chaque fois sur la frustration sexuelle du tueur qui ne peut s'empêcher de découvrir les seins de ses victimes et de leur caresser la poitrine alors que les pauvres filles sont déjà mortes !

Les meurtres très graphiques se succèdent donc sans temps mort, Martino rajoutant un érotisme gratuit mais, il faut le reconnaître, très agréable, d'autant que les actrices sont très belles, parmi lesquelles les fort charmantes Suzy Kendall et Tina Aumont.

Le réalisateur se soucie assez peu de la vraisemblance de son film et l'oriente vers un dénouement expédié en deux temps trois mouvements : ce qui intéresse Martino est bel et bien le maintien du suspense (et la nudité aussi !), non la résolution de son intrigue dont, il faut bien l'avouer, le spectateur se contrefout !

Il en résulte un spectacle généreux, complètement décomplexé, qui n'a d'autre objectif que de plaire aux spectateurs, ravis de suivre les mésaventures de ces belles jeunes filles en train de se faire assassiner.

Par ailleurs, il faut rappeler que Torso reste la première source d'inspiration du slasher américain, qui en a repris beaucoup d'éléments (les apparitions subites du tueur, le second degré incessant, les jeunes gens un peu décérébrés), tout en en gommant les aspects érotiques.

Au final, Torso est une réussite jubilatoire de Martino (capable du meilleur comme du pire), rythmée par une bande-son easy-listening fort plaisante et typique de l'époque.

Avis de Nicofeel :

Réalisé en 1974 par l'inégal Sergio Martino, auteur tout de même de l'excellent giallo La queue du scorpion, Torso constitue le dernier giallo mis en scène par ce cinéaste transalpin. Le film ne tient pas grâce à son scénario qui pourrait se résumer en une ligne : un tueur masqué et ganté assassine des jeunes femmes.

Tout l'intérêt du film réside dans son mélange de violence et de sexe. Sur ce point, Sergio Martino n'y est pas allé de main morte. Sur le plan du sexe, le film donne lieu à moults scènes totalement gratuites. Dès le début du film, on assiste à une partouze qui est filmée de manière floue, quasiment onirique. Un peu plus tard, un travelling lattéral nous montre un groupe de hippies qui fument, boivent, dansent et baisent.

Les agissements du tueur dans le film, qui sont consécutives à un trauma dans la jeunesse de ce dernier, ont une connotation certes violente mais également fortement érotique puisque le tueur se plaît à révéler et à toucher la poitrine de ses victimes. Sergio Martino en rajoute dans le côté voyeur avec des filles qui sont souvent nues ou filmées sous des angles pour le moins pervers.

Mais Torso n'est pas uniquement une profusion de scènes érotiques. Le film est surtout connu pour sa succession de meurtres (qui concernent pour la plupart des jeunes femmes !) qui font d'ailleurs de ce film un précurseur du slasher (les scènes érotiques en moins pour le slasher car les américains sont puritains). Le film arrive même à être assez tendu dans son dernier tiers, lorsque l'actrice Suzy Kendall, la seule jeune femme qui n'est pas dénudée, fait tout pour survivre.

La fin de Torso donne lieu en outre à un duel improbable mais fort amusant. En somme, voilà un giallo certes assez complaisant mais qui s'avère très efficace sur le plan de la violence. Torso est donc à découvrir.

The devil's game (Yoon In-O, Corée du Sud, 2007)

Avis de Nicofeel :

Réalisé en 2007 par le cinéaste Yoon In-O, The devil's game est dans la lignée des thrillers sud-coréens, lesquels sont souvent particulièrement retors.

Le film bénéficie d'ailleurs d'un scénario tout à fait original avec un vieil homme riche, président d'une importante société financière, qui décide délibérément de faire un pari avec un jeune homme qui se trouve être un peintre sans le sou. Si le jeune homme gagne, il remportera un milliard de wons, s'il perd il appartiendra au vieil homme. Au terme d'un pari marqué par de multiples rebondissements (qui prouvent que le réalisateur se joue du spectateur) avec des apparences qui se révèlent trompeuses, le vieil homme gagne.

Et c'est alors que l'incroyable se produit car on retrouve les deux principaux protagonistes du film, le vieil homme et le jeune, qui changent l'un et l'autre de corps avec des cerveaux qui sont permutés suite à une double opération chirurgicale. On retrouve donc le vieil homme avec un corps jeune et inversement.

Le pitch du film est bien utilisé puisqu'on s'intéresse aux agissements du vieil homme dans son nouveau corps tandis que le jeune peintre, qui est désormais dans un vieux corps malade, tente de récupérer son ancien corps. Très bien filmé avec au passage un bel effort notamment sur le cadrage, The devil's game bénéficie de l'excellente interprétation de ses deux acteurs principaux.

Seul reproche que l'on peut faire à The devil's game : une fin qui multiplie par trop les twists, ce qui rend l'issue du film un peu confuse. Surtout, on constate qu'en agissant de la sorte, le réalisateur prend un certain plaisir à manipuler le spectateur. Malgré tout, ce film s'avère d'excellente facture d'un point de vue global.

L'adorable corps de Deborah (Romolo Guerrieri, 1968, Italie)

Avis de Locktal :

Sympathique giallo réalisé en 1968 par Romolo Guerrieri (le frère du réalisateur Marino Girolami et oncle du célèbre Enzo G. Castellari, fils de Girolami), L'adorable corps de Deborah est typique de la fin des sixties, que cela soit par son ambiance, sa bande-son ou encore sa garde-robe.

On y retrouve avec plaisir dans le rôle principal de Deborah la jolie Carroll Baker (déjà vue dans Orgasmo de Lenzi ou de manière « plus prestigieuse » dans l'excellent Baby Doll d'Elia Kazan, où elle joue le rôle-titre), accompagnée ici du ténébreux Jean Sorel (qui interprète le mari de Deborah, Marcel), les deux acteurs formant un couple nouvellement marié qui décide de passer sa lune de miel à Genève.

Variation sur le célèbre Soupçons d'Hitchcock, le film distille un suspense assez efficace quant au mystérieux passé de Marcel, qui aurait poussé son ex-femme au suicide. Sorel apporte toute l'ambiguïté nécessaire au rôle, tandis que le spectateur adopte constamment le point de vue de Deborah qui cherche à percer le secret de Marcel.

Guerrieri multiplie les fausses pistes, tout en injectant à son film un érotisme discret mais représentatif de la révolution sexuelle, ce qui n'est pas pour déplaire au spectateur-voyeur qui peut y entrapercevoir la charmante Carroll Baker nue (comme dans Orgasmo) !

Progressivement, la séparation entre rêve et réalité s'estompe, amenant le spectateur à douter de la santé mentale de Deborah, d'autant que de nouveaux personnages énigmatiques apparaissent au fur et à mesure en compliquant encore une intrigue déjà passablement opaque, notamment un voisin voyeur (hommage à Fenêtre sur cour d'Hitchcock) et un fantôme.

Le dénouement surprendra le spectateur et redistribuera les cartes, rendant les personnages encore plus ambigus qu'au début.

Sans atteindre les sommets d'un Orgasmo, beaucoup plus insidieux et inquiétant, L'adorable corps de Deborah permet cependant de passer un bon moment et ravira sans aucun doute les amateurs de giallos.

Let the right one in (Tomas Alfredson, 2008, Suède)

Avis de Nicofeel : (ce fumier de Locktal n'ayant pas souhaité voir ce film !!!!)

Basé sur le roman de John Ajvide Lindqvist, Let the right one in est l’œuvre du cinéaste suédois Tomas Alfredson. Le film traite d’un mythe qui a été vu 1000 fois au cinéma, celui du vampire. Oui mais voilà Tomas Alfredson a bien quelque chose à dire sur le sujet et son approche se révèle tout à fait originale.

Let the right one in est un film intimiste. Il se déroule dans une petite ville de Suède où le temps est particulièrement peu clément puisqu’il y fait très froid et la neige est omniprésente. Dans ce cadre où la vie semble assez rude, on va suivre la rencontre entre deux personnages qui sont rejetés, exclus par le monde qui les entoure.

Il y a d’abord le jeune Oskar (interprété par Kare Hedebrant), un garçon blondinet qui est assez renfermé et qui est maltraité par ses camarades de classe. Il y a ensuite Eli dont on comprend rapidement qu’elle est un vampire. On saisit assez rapidement que l’élément fantastique a principalement pour but d’être au service du drame qui se déroule sous nos yeux. La situation de vampire d’Eli est pour elle un véritable fardeau. Elle est condamnée à demeurer seule, à commettre directement ou indirectement (par son père) des meurtres pour survivre, à garder la même apparence toute sa vie (cela fait manifestement des dizaines d’années qu’elle a l’apparence d’une fillette de 12 ans), à vivre de façon décalée par rapport aux humains afin d’éviter la lueur du soleil.

Les rapports entre Oskar et Eli sont très forts et chacun apporte quelque chose à l’autre. Oskar donne à Eli un amour qui est sans équivoque. Eli apporte également beaucoup à Oskar. Elle lui permet d’abord d’avoir une amie à qui se confier. Elle lui permet ensuite de s’émanciper, de se révolter contre les camarades de classe qui s’en prennent à lui. Eli est aussi l’ange gardien d’Oskar (on est donc loin du personnage uniquement malfaisant du vampire) lorsque celui-ci est sur le point de mourir noyé.

Chronique fantastique d’une grande sensibilité, Let the right one in est LE film de cette huitième édition du film fantastique de Neuchâtel.

A juste titre, ce film a obtenu 3 prix à l’issue de la compétition internationale : une mention spéciale du jury, le Méliès d’argent du meilleur long métrage européen et le prix de la jeunesse.

Le parfum de la dame en noir (Francesco Barilli, 1974, Italie)

Avis de Locktal :

Ce film de Francesco Barilli, présenté en présence du réalisateur, est manifestement la perle de la sélection giallo du NIFFF.

Réalisé en 1974, Le parfum de la dame en noir dresse le portrait ambigu d'une jeune femme prénommée Silvia (magnifiquement incarnée par la jolie Mimsy Farmer, l'héroïne de More de Barbet Schroeder, du génial Quatre mouches de velours gris de Dario Argento ou encore de l'étonnant Frissons d'horreur d'Armando Crispino), obsédée par un souvenir d'enfance et qui sombre peu à peu dans la folie.

Le grand mérite de Barilli est d'avoir exploré par les moyens du cinéma l'obsession de Silvia. Dès les premiers plans du film, qui montre une photo de Silvia enfant entouré de son père et de sa mère, le spectateur sait que Silvia a été victime d'un traumatisme. L'atmosphère est d'entrée pesante, malsaine, mystérieuse, renforcée par une bande-son envoûtante qui revient en leitmotiv tout au long du film.

Le spectateur est immédiatement plongé dans l'esprit malade de Silvia, qui tente de rechercher par tout moyen ce souvenir d'enfance qui la hante continuellement. Entre des amis adeptes de l'occultisme et du vaudou, un fiancé particulièrement ambigu et les bribes de souvenirs qui l'assaillent, Silvia s'enferme progressivement dans un monde intérieur qui lui permet d'échapper à cette réalité qui lui fait peur, un peu à l'instar d'Alice au pays des merveilles de Lewis Carroll, référence qui revient tout au long du film.

L'interprétation tout en nuance de Mimsy Farmer, tour à tour fragile et dure, victime puis bourreau, avec ses grands yeux interrogateurs, assoit la crédibilité d'un personnage complexe et fascinant développant une obsession macabre par rapport à sa mère décédée, qui finit par la couper de tout, en commençant par la réalité d'une vie qui semble la dégoûter de plus en plus.

Silvia finit logiquement par passer de l'autre côté du miroir, guidée par une petite fille qui lui ressemble et qui est sans doute la projection de Silvia enfant (qui n'est donc autre qu'elle-même). Par ailleurs, la multiplication des miroirs renforce la schizophrénie du personnage, qui semble ne vivre que dans le souvenir de sa mère défunte. Silvia passe en effet par différents stades, sa personnalité oscillant sans cesse entre elle enfant et entre elle se prenant pour sa mère, dont elle reprend les poses et les vêtements.

Alors que des meurtres mystérieux d'amis proches de Silvia semblent se propager, celle-ci s'enfonce de plus en plus dans son monde intérieur et finit par s'isoler complètement. L'exploration de cet univers imaginaire, peuplé de poupées et de petites filles en fleurs, l'amène à découvrir l'effroyable secret de son enfance, tout en sombrant dans une folie de plus en plus accentuée.

La mise en scène de Barilli s'adapte parfaitement aux errements de l'âme de Silvia. Elle débusque un autre monde qui se dissimule derrière les oripeaux du monde réel, furète dans les moindres coins et recoins de la demeure de Silvia, peuplée de fantasmes et de secrets inavouables. Barilli donne à chaque parcelle du décor une présence remarquable, inquiétante, insolite, que cela soit un vase, des fleurs ou encore un miroir, tous ces objets agissant comme révélateurs du traumatisme de Silvia.

En adoptant constamment le point de vue de son héroïne, notamment dans sa perception des choses, en s'enfonçant petit à petit dans sa tête, Barilli crée un univers d'une grande richesse qui n'est pas sans rappeler les films que David Lynch réalisera postérieurement. L'imaginaire contamine alors le réel pour finir par l'absorber complètement et par le faire disparaître.

Mais lorsque la réalité refera surface, elle sera au-delà de toute imagination dans une scène finale hallucinante qui vient remettre en question tout ce que le spectateur a vu (ou cru voir) auparavant et qui redéfinit totalement notre rapport au réel.

Le parfum de la dame en noir est assurément l'un des plus grands giallos jamais réalisés. Inquiétant, terrifiant, surréaliste, le film fascine, envoûte, pour laisser le spectateur à bout de souffle, pantois, dégoûté mais aussi heureux. Le finale magistral restera longtemps gravé dans les mémoires... Rarement une obsession macabre n'aura été aussi fidèlement restituée à l'écran, par des moyens purement visuels et cinématographiques. D'une grande perfection technique, Le parfum de la dame en noir fait preuve d'une remarquable modernité, s'inspirant sans doute de films comme Rosemary's baby de Roman Polanski mais inspirant à son tour d'autres cinéastes, comme Lynch ou Raul Ruiz. Absolument génial !

Sick nurses (Sirivivat Thospol, 2007, Thaïlande)

Avis de Nicofeel (qui se la joue bisseux pour une fois !)

Réalisé en 2007 par le thaïlandais Sirivivat Thospol, Sick nurses est un pur film d’horreur qui joue sur le côté sexy de ses acteurs. Ou devrais-je dire plutôt de ses actrices.

En effet, le film se déroule dans un hôpital où six très jolies infirmières vont être aux prises avec le fantôme de la femme (une infirmière elle aussi !) qu’elles ont tuées. Le film est souvent prétexte, en tout cas au début, à nous montrer la sublime plastique de ses actrices, sans pour autant les dénuder (on aura même pas droit à la vision d’un sein, tout étant suggéré). Ainsi, les actrices conservent toujours leurs vêtements. On a droit au mieux à des actrices en culotte et soutien gorge. Les actrices cabotinent à fond et jouent surtout la carte du charme.

La trame du film est des plus classiques avec le fantôme qui vient régler le compte des infirmières en les tuant les unes après les autres. On appréciera que les morts soient à chaque fois différentes. Le film finit cependant par être quelque peu répétitif car il n’y a pas grand-chose à se mettre sous la dent entre les scènes de meurtre.

Heureusement, le cinéaste nous propose de temps à autre quelques plans décalés, que ne renierait pas un Takashi Miike. D’ailleurs, une scène à la fin du film fait penser à un certain Gozu avec un accouchement pour le moins original. Dans le genre insolite, on a également droit à un jeune médecin qui est amoureux d’un autre médecin (celui pour lequel s’entre-déchirent les belles infirmières) et va tout faire pour lui plaire. Il ira ainsi jusqu’à changer de sexe !

Au final, Sick nurses reste un film d’horreur sexy à la trame classique mais qui comprend quelques scènes bien barrées. Un film qui est donc intéressant même s’il n’est pas inoubliable.

Killer nun (Giulio Berruti, 1978, Italie)

Avis de Locktal :

Film de nunsploitation délirant et survolté, Killer nun ne s'embarrasse d'aucune barrière morale. Le film décrit les agissements troublants d'une nonne, Soeur Gertrude (la sculpturale Anita Ekberg, bien connue des cinéphiles pour la célèbre scène de la Fontaine de Trévi dans le génial La dolce vita de Fellini), qui travaille comme bénévole dans un hôpital et qui, de plus en plus irritée par la souffrance des malades, sombre petit à petit dans la folie.

Rien ne sera épargné au spectateur, le film enchaînant les scènes toutes plus irresponsables les unes que les autres (mais tellement fun !) avec une frénésie incroyable.

Anita Ekberg apporte à Soeur Gertrude son physique de madonne imposante et charnelle.

La trame du film, peu originale, se résume à l'essentiel, même si Giulio Berruti essaie (et parfois y parvient) de créer un certain suspense qui débouchera sur une petite surprise, même si les plus malins auront déjà deviné le twist final. Mais ce qui intéresse avant tout le réalisateur est surtout de donner naissance à des séquences-choc, dont l'une est particulièrement réussie, à la limite du psychédélisme, et bénéficiant d'un montage étonnant : la première scène de meurtre, où le spectateur suit dans un montage parallèle percutant la tentation de Soeur Gertrude pour le péché de luxure !

Berruti fait le portrait (assez peu subtil, il faut bien l'avouer) d'une nonne frustrée, constamment tiraillée entre Bien et Mal, adepte des drogues et nymphomane, qui provoque aussi le désir incontrôlable d'une autre jeune nonne, Soeur Mathieu (Paola Morra, incendiaire).

Aidé par la présence impressionnante d'Anita Ekberg, le cinéaste multiplie les scènes violentes et érotiques, souvent profanes, avec une régularité métronomique et un plaisir jubilatoire. Il es clair que le Vatican serait outré de tant de complaisance, mais force est de constater que le spectateur-voyeur est comblé ! (Surtout que Paola Morra, qui interprète Soeur Mathieu, est particulièrement jolie et bien poumonée). Cependant, il est dommage que Berruti ne soigne pas plus le côté esthétique de son film, qui permettrait à celui-ci de se démarquer des autres films de nunsploitation. L'image est en effet assez passe-partout (à quelques exceptions près) et la mise en scène parfois approximative.

Le casting est complété par deux acteurs-culte qui semblent un peu absents mais que le spectateur est heureux de retrouver : Joe Dallessandro et Lou Castel.

Si Killer nun est loin de se hisser à la hauteur des meilleurs films de nunsploitation (le film est en effet loin d'atteindre la beauté picturale du superbe Intérieur d'un couvent de Walerian Borowczyk, le côté pop, surréaliste et presque manga de l'excellent Le couvent de la bête sacrée de Norifumi Suzuki ou encore la perversion subtile du très beau Love letters of a portuguese nun de Jess Franco, trois des sommets incontestables du film de nunsploitation), c'est cependant un film certes irresponsable (mais tous les films de nunsploitation ne le sont-ils pas ? D'ailleurs, c'est bien ce qui fait leur charme !) mais assez plaisant. D'autant que le spectacle est généreux, hystérique et souvent très drôle, titillant le bisseux qui sommeille en chacun de nous. Pourquoi bouder un tel plaisir ?

Zombies from Banana village (Mamat Khalid, 2005, Malaisie)

Avis de Locktal :

Sympathique comédie horrifique, Zombies from Banana village est une véritable curiosité qui serait le premier film malais (il faut reconnaître que je ne suis pas vraiment familier du cinéma malais, même s'il doit ressembler un peu au cinéma indonésien, donc je ne peux certifier cette déclaration !) mettant en scène des zombies.

Si le film flirte souvent avec l'amateurisme (mais quand même moins que l'amusant film argentin Plaga zombie de Pablo Parés et Hernàn Sàez, et sa suite Plaga zombie zona mutante), il se permet de montrer des morts-vivants truculents qui ne se différencient des vivants que par un maquillage à la Alice Cooper. En effet, ces zombies, et c'est bien évidemment ce qui fait l'originalité du métrage, parlent, chantent, mangent, fument et boivent tout comme les humains, provoquant un décalage assez curieux.

Les héros du film, surjoués par des acteurs sans doute amateurs, ont l'air complètement dépassés par les évènements, constamment ahuris et ne se souciant pas vraiment de leur survie. D'ailleurs, les zombies redeviennent humains aussi rapidement que les vivants sont devenus zombies, avec une explication des plus sommaires qui est un clin d'oeil à la célèbre firme Troma (avec le danger des centrales nucléaires).

Zombies from Banana village file à 100 à l'heure, c'est un film survolté, souvent brouillon mais dont on ne peut nier l'énergie communicative, le tout rythmé par une bande-son très rock'n'roll. Les maquillages sont approximatifs, ce qui renforce encore le côté potache du métrage.

Parmi les trouvailles amusantes du réalisateur : un groupe de rock complètement décalé, le fait que le héros principal du film en arrête parfois le cours pour pousser la chansonnette ou encore prévenir des dangers dûs à la drogue et au vandalisme, des flashbacks totalement inutile mais très drôles, enfin un twist final volontairement débile et invraisemblable,... On pourra en revanche reprocher au film un côté un peu répétitif qui peut finir par lasser le spectateur.

Au final, si Zombies from Banana village est loin d'être un grand film, il n'en demeure pas moins que le spectateur passera un bon moment, d'autant que tous les acteurs sont dans un surjeu particulièrement réjouissant. A en juger par les réactions hilarantes procurées par le film, celui-ci a su séduire le public venu chercher un pur moment de détente, sans autre prétention. Le côté exotique renforce encore l'étrangeté de ce film pour le moins curieux !

Avis de Nicofeel :

Réalisé en 2005 par un cinéaste malais (eh oui, il y a visiblement des cinéastes dans ce pays !), Mamat Khalid, Zombies from banana village est une comédie horrifique.

Le film joue principalement sur une ambiance tranquille et un humour bien décalé assez sympathique. On voit dans ce film que des personnes décèdent de façon soudaine et assez mystérieuse avant de devenir des morts vivants. Le film est une véritable déconnade qu’il convient de prendre au centième degré.

Les acteurs sont de purs amateurs qui jouent comme des pieds (la palme revenant au vieux à il ne reste que deux dents !) mais qui participent au côté marrant de ce film particulièrement décontracté. On retrouve des acteurs avec des profils très différents : un personnage semble avoir des tendances homosexuelles très prononcées, un autre est un rocker de bas étage, etc. Les membres du village où se déroule l’action vont combattre des zombies qui parlent et agissent comme des êtres humains.

Le film fait très cheap avec des zombies qui sont simplement des acteurs que l’on a grimé avec des maquillages minimalistes. Il n’y a pas de gore dans ce film. Ici, on n’est pas dans la comédie trash mais dans un film bien Z qui comporte plusieurs séquences musicales assez amusantes.

Le film finit cependant par être assez redondant avec des scènes qui ne varient guère, une fois que le postulat de base est connu. Au final, voilà une vraie rareté qui est à découvrir par son côté décalé.

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