Titre du film : Ghost killer

Réalisateur : Kensuke Sonomura

Date de sortie au cinéma : 2024 (au Japon)

Origine : Japon

Durée : 1h45

Avec : Akari Takaishi, Masanori Mimoto, Mario Kuroba, Tatsuya Nakayama, etc.

Synopsis : Fumika, une jeune étudiante, se retrouve possédée par le fantôme du tueur à gages Kudo. Elle accepte de l'aider à accomplir sa vengeance d'outre-tombe en lui prêtant son corps.
 

Ghost killer est le troisième long métrage du japonais Kensuke Sonomura, avant tout reconnu comme cascadeur. Sa maîtrise des scènes d'action est visible dès la première séquence du film. On assiste à un combat violent et d'une grande visibilité.

Comme on peut s'en douter au regard de son titre, Ghost killer est un film d'action fantastique. Sonomura choisit d'ailleurs une des figures les plus célèbres du cinéma japonais, le fantôme. Afin d'apporter (un peu) d'originalité à son récit, il décide d'aborder son histoire sous l'angle du comique. Fantastique et humour font rarement bon ménage dans le cinéma nippon. Et pourtant ici ça fonctionne. Le scénario part d'une idée simple : une jeune étudiante touche la douille d'une arme à feu et se retrouve possédée par un fantôme.

Le comique de situation revêt alors plusieurs formes. L'incrédulité de l'héroïne en est la manifestation la plus évidente. D'autant qu'elle est la seule à voir le fantôme ce qui donne lieu à des scènes fort amusantes. La principale mécanique de l'humour réside dans la relation contrariée entre l'étudiante et le fantôme. La jeune femme se retrouve embarquée bien malgré elle dans une histoire qui la dépasse sur fond de vengeance.

Les nombreuses scènes d'action sont justifiées par le passé mafieux du fantôme. Le réalisateur est visiblement très l'aise dans cet exercice et il en fait son fil rouge. Ces séquences d'action pourraient paraître redondantes voire ennuyeuses à la longue. Cela n'est pas le cas, Kensuke Sonomura s'appuyant sur la relation improbable entre l'étudiante et le fantôme. Celui-ci prend possession (physiquement) d'elle à partir du moment où elle accepte de le toucher. Une façon de matérialiser leur lien. Elle est toujours une jeune femme frêle mais dispose alors de la force et de la technique de combat du fantôme. On assiste ainsi à des scènes d'action efficaces et amusantes. Car elle n'est pas spécialement l'accord avec l'idée de tuer des gens !

Dans un film en apparence simple et linéaire, le réalisateur a la bonne idée de faire évoluer ses personnages au gré de cette alliance de circonstance. Le fantôme (re)prend foi en l'humanité tandis que l'étudiante prend confiance en elle. Voilà des éléments fort bienvenus apportant un capital sympathie d'autant plus élevé à ce Ghost killer.

Autre point à souligner, le film aborde frontalement les violences faites aux femmes. Entre un petit ami frappant sa copine et des salauds déversant la drogue du violeur dans un verre, Kensuke Sonomura dresse un constat peu glorieux des hommes. Comme le déclare l'héroïne, ce monde est rempli de gars horribles ». L'aide procurée par le fantôme devient symbolique d'une femme en train de s'émanciper et de sortir de l'emprise des hommes. Dans une société japonaise patriarcale, le propos fait sens. Et prouve que Ghost killer n'est pas qu'un (excellent) film d'action.

Quelques mots sur la distribution. Les deux acteurs principaux, Akari Takaishi dans le rôle de l'étudiante et Masanori Mimoto dans celui du fantôme, sont très bons. Ils participent amplement à la réussite du film. Remarquée dans la franchise Baby assassin, Akari Takaishi est crédible dans son rôle d'étudiante. Quant à Masanori Mimoto, il révèle une capacité comique pas si évidente au départ.

En somme, Ghost killer constitue une comédie d'action fantastique que je recommande chaudement.

Titre du film : Godzilla minus one

Réalisateur : Takashi Yamazaki

Date de sortie au cinéma : 2023 (reprise le 11 octobre 2026)

Origine : Japon

Durée : 2h04

Avec : Ryûnosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yûki Yamada, etc.

Synopsis : Le Japon se remet à grand peine de la Seconde Guerre mondiale qu’un péril gigantesque émerge au large de Tokyo. Koichi, un kamikaze déserteur traumatisé par sa première confrontation avec Godzilla, voit là l’occasion de racheter sa conduite pendant la guerre.

Godzilla minus one (2023) constitue un « reboot » de l’histoire du célèbre monstre Godzilla. Depuis le premier long métrage réalisé en 1954, Godzilla est apparu dans plus de 40 films, dont l’intérêt est très variable. Heureusement, cette nouvelle version de Godzilla est sans aucun doute la meilleure.

Ce film est d’ailleurs un des blockbusters les plus enthousiasmants que l’on ait vu depuis de nombreuses années. Son metteur en scène, le Japonais Takashi Yamazaki, a parfaitement compris qu’un film à grand spectacle doit allier le spectaculaire à des scènes intimes plus ordinaires.

Sur ce point, Godzilla minus one parvient à un équilibre parfait entre action et émotion. Jamais on a la sensation que l’un prend le pas sur l’autre. Ce qui n’est pas le cas de nombreux blockbusters où les personnages sont réduits à de pures caricatures dont l’intérêt est moindre face au flot d’effets spéciaux.

Ici, le contexte sociétal est parfaitement mis en avant. Le Japon a dû capituler durant la deuxième guerre mondiale suite aux deux bombes atomiques (Hiroshima, Nagasaki). Le pays est dévasté et sa population meurt de faim. C’est dans ce contexte lourd que le rôle principal du film est endossé par un ancien kamikaze qui trouve là un prétexte pour éviter la mort certaine qui l’attendait. La culpabilité du personnage sera d’ailleurs un des fils rouges de Godzilla minus one.

C’est dans ce Japon vaincu et sinistré que Godzilla fait son apparition. Ce dinosaure préhistorique a muté suite à des essais nucléaires américains. Doté initialement d’une taille importante, ce monstre va devenir tout bonnement gigantesque. Les effets visuels du film sont impressionnants, récompensés justement par un oscar lors de la cérémonie du 10 mars 2024. Godzilla est d’un réalisme bluffant avec des détails magnifiques. On est bien loin des premiers Godzilla avec des acteurs endossant le costume du monstre ou plus récemment d’images de synthèse au rendu artificiel. On a vraiment l’impression que ce monstre est réel. Godzilla est effrayant et chacune de ses apparitions fait froid dans le dos.

Ainsi, le spectateur ressort impressionné des différentes scènes d’action mettant en scène un Godzilla énorme et indestructible. La première séquence où un cargo est victime en mer des agissements du monstre est inoubliable. Qu’elles aient lieu sur terre ou en mer, les scènes de destruction massive de Godzilla sont fascinantes. L’effroi est d’ailleurs total avec son souffle atomique destructeur. Le réalisateur Takashi Yamazaki joue très bien sur les perspectives et sur les échelles. On est surpris en apprenant que le film a coûté « seulement » de 12 à 15 millions de dollars. Godzilla minus one ne fait jamais « cheap ». On a au contraire l’impression d’un long métrage ayant coûté des centaines de millions de dollars.

Comme dit précédemment, le film ne se contente pas d’aligner les scènes d’action. Godzilla minus one dépasse le statut de blockbuster en laissant la part belle à l’aspect drame. On prend le temps de découvrir les personnages principaux. On constate qu’il est difficile de survivre dans un Japon qui est entièrement à reconstruire. Et il est encore plus difficile de vivre quand on a perdu ses proches à cause de la guerre. Le film prend le temps de donner le point de vue de Japonais qui ont tout perdu. Pourtant, il faut garder l’espoir. Il est intéressant de constater que ce sont des civils qui vont se distinguer dans cet environnement chaotique pour défier Godzilla. Une belle leçon d’humilité, de courage et de fraternité.

Une fois n’est pas coutume pour un tel blockbuster, force est de constater que la distribution est de grande qualité. Les personnages ont été très bien pensés. Ils ont tous vécu des épreuves et on est curieux de découvrir ce qui va leur arriver. Les acteurs jouent parfaitement leurs rôles, de telle sorte que les séquences d’émotion sont prenantes.

Au final, comme on avait déjà pu le constater lors de sa sortie, Godzilla minus one est une réussite à tous points de vue. C’est un film prenant de bout en bout et comportant des scènes d’action ébouriffantes. Il allie merveilleusement bien le fantastique à une période historique traumatisante pour le Japon. Et c'est aussi à travers son héros une magnifique leçon de rédemption. En le revoyant, ce long métrage ne perd pas de son impact. On attend désormais sa suite, Godzilla minus zero, prévue le 4 novembre 2026. On a hâte...

Titre du film : Pinocchio déchaîné

Réalisateur : Rhys Frake Waterfield

Date de sortie au cinéma : 2026

Origine : Etats-Unis

Durée : 1h21

Avec : Cameron Bell (James), Richard Brake (Geppetto), Jude Evan Llyod, voix de Pinocchio), Robert Englund (voix de Cricket), Jessica Balmer (Mia), Jack Art Gray (Dudley), etc.

Synopsis : Geppetto offre à son petit-fils orphelin James une marionnette dotée d'une âme nommée Pinocchio. Poussé par un grillon maléfique (Cricket), Pinocchio se lance dans une croisade sanglante pour éliminer tout ce qu'il juge mauvais et devenir un vrai petit garçon, morceau par morceau.

Sortie en édition 4K ultra HD + blu ray le 6 octobre 2026 chez Arcadès Editions
 

Après avoir sorti le 6 janvier 2026 l’efficace survival Bambi : la vengeance, Arcadès Editions récidive avec un nouveau volet de la franchise « Twisted childhood universe ». Dans ces films, il s'agit de revisiter à la sauce horrifique les héros de notre enfance (Winnie l'ourson, Peter Pan, Bambi) en les transformant en monstres sanguinaires. Le dernier sacrilège en la matière est Pinocchio qui n’a rien de la marionnette gentille et inoffensive du roman pour enfants Les aventures de Pinocchio (1883).

C’est toujours un pantin de bois mais son physique disgracieux le rapproche plus d’un Chucky que d’une belle poupée. La marionnette créée pour l’occasion est très expressive et bien réalisée. Ses mouvements s’effectuent en animatronique. On est bluffé par le résultat à l’écran. Le studio à l’origine de ce « Twisted childhood universe » a clairement bénéficié d’un budget bien plus important que d’habitude. On le ressent aussi bien pour le design de Pinocchio et son animation que pour le reste du film.

Le réalisateur Rhys Frake Waterfield utilise un principe simple : le fait que Pinocchio ne distingue pas le bien du mal lui permet de justifier ses actes répréhensibles. D’ailleurs, ce pantin est influencé par d’autres personnages tel que Cricket (sa voix en anglais est celle de Robert Englund, « Freddy Krueger »). Ce grillon parlant est lui aussi détourné de son caractère de base, représentant ici la mauvaise conscience de Pinocchio.

Tous ces éléments rendent légitimes des excès de violence. Pinocchio déchaîné, qui dure 1h22, est très sage durant ses vingt premières minutes. On s’attend alors à une œuvre moins violente que Bambi : la vengeance. Point du tout ! L’heure restante est une véritable boucherie avec des débordements « gore ». Les meurtres sont nombreux et variés. Sans être exhaustif, tête écrasée, peau arrachée, organes enlevés, dents cassées sont quelques-unes des joyeusetés de cette comédie horrifique.

Le réalisateur fait preuve de beaucoup d’humour noir afin de rendre ce long métrage regardable par le plus grand nombre. La séquence évoquant Les dents de la mer dans une piscine est toute bonnement hilarante. A la manière de la saga Destination finale, certains homicides ont lieu de façon quasi accidentelle. Pour d'autres, l'évocation du terme méchant déclenche un instinct de tueur chez Pinocchio.

Il faut dire que Pinocchio déchaîné est très référentiel. La marionnette tueuse rappelle la saga des Puppet masters. Il y a même une citation d’Hellraiser (sans le côté SM !) à partir du moment où Pinocchio souhaite devenir un être de chair et d’os...au détriment d’autres personnes ! Et puis Geppetto devient pour sa part un savant fou, un Docteur Frankenstein (« je suis ton créateur ») souhaitant vaincre la mort.

Si ce Pinocchio déchaîné s’avère une très bonne surprise, on retrouve les mêmes écueils que les précédents films de ce « Twisted childhood universe ». Le scénario est linéaire et la résolution du film assez attendue. Ce long métrage ne joue d’ailleurs jamais sur la peur mais sur l’enchaînement de scènes violentes avec donc un humour haut en couleurs. Notons également en point négatif les réactions absurdes des personnages et les enchaînements de situations improbables.

Cela étant, ces défauts n’entament nullement le plaisir que l’on a à regarder ce Pinocchio déchaîné. Ce film constitue de très loin le meilleur de cette franchise horrifique dédiée à des personnages cultes de l'univers enfantin. Comme dit précédemment, le budget alloué a été bien plus important que les autres opus et cela s’en ressent positivement à tous les niveaux. A noter que l’on a droit à la toute fin du film à un (très court) making-of. Au vu de celui-ci on suppose que le tournage s’est déroulé dans la bonne humeur.
 

Caractéristiques du disque UHD édité par Arcadès Editions :

En préambule saluons l'initiative d'Arcadès Editions d'avoir sorti un UHD pour un petit film d'horreur comme celui-ci !

L'image : Le film a sans doute été tourné en numérique. Pour autant, l’image est magnifique. C’est un régal pour les yeux, y compris dans les scènes sombres du film.

Le son : Le film est visionnable en version originale et en version française. Le doublage est de qualité assez médiocre (quoique cela ajoute au côté décalé de l’ensemble!) et il est préférable de se reporter à la version d'origine. Surtout que des sous-titres français amovibles sont disponibles au besoin.

Bonus : On a de très courts modules. Meurtre coupé (1mn22) est en fait une scène coupée qui aurait pu être incluse dans le film (un meurtre de plus !). Le bonus intitulé La création de Pinocchio (8mn20) est clairement le plus intéressant. Il explique toutes les phases de création du pantin, d’abord en polystyrène avant de le fabriquer en bois flotté. Avec toutes les questions liées à sa mobilité (nombreux câbles à l’intérieur). La création de Cricket (2mn36) nous amène dans les coulisses des effets visuels de ce monstrueux cricket. On termine avec Une interview avec Pinocchio (5mn31). L’interview est forcément décalée. Pinocchio tourne en dérision le réalisateur, les acteurs et le script (« encore du papier, et la préservation des arbres ! »).

Titre du film : Raisons d’État

Réalisateur : Robert de Niro

Date de sortie au cinéma : 4 juillet 2007 (en France)

Origine : Etats-Unis

Durée : 2h48

Avec : Matt Damon, Angelina Jolie, Robert de Niro, John Turturro, William Hurt, Alec Baldwin, Eddie Redmayne, Joe Pesci, Tammy Blanchard, etc.

Synopsis : Pour Edward Wilson, seul témoin du suicide de son père et membre de la Skull and Bones Society à l'Université de Yale, l'honneur et la discrétion sont des valeurs primordiales. Ce sont ces qualités qui poussent la CIA, l'agence gouvernementale qui vient d'être créée, à le recruter.

Blu ray sorti chez Rimini Editions depuis le 23 septembre 2026
 

Raisons d’État est la seconde réalisation de Robert de Niro après Il était une fois le Bronx (1993) qui se déroulait dans le milieu de la mafia américaine. L’acteur de Taxi driver s’intéresse ici aux débuts de la CIA (créée le 18 septembre 1947) jusqu’aux actions de ce service de renseignements dans les années 60. La CIA est à la fois chargée de récupérer des informations en vue de la sécurité des États-Unis mais aussi élaborer des actions clandestines. Le film de De Niro montre d’ailleurs un des échecs les plus cinglants de la CIA, avec l’invasion ratée à Cuba dans la baie des Cochons le 17 avril 1961. Se pose alors rapidement la question du traître qui a vendu la mèche…

Alors que Raisons d’État a été mis en scène en 2006, ce thriller d’espionnage rappelle fortement les thrillers paranoïaques des années 70. En effet, la suspicion perpétuelle est de rigueur. Chacun se méfie de l’autre et personne n’est celui qu’il semble être. Dans une Amérique obsédée par la peur de l’autre, on songe aux classiques du genre, A cause d’un assassinat (1974) et Les hommes du président (1976) d’Alan J. Pakula et Les trois jours du Condor (1975) de Sydney Pollack. Le film de De Niro est de son côté une fresque historique courant sur trois décennies. Il se révèle haletant malgré sa durée conséquente (2h48). Il faut dire que Raisons d’État laisse le spectateur dans un sentiment de malaise constant. La tension y est palpable.

Matt Damon campe à merveille le rôle d’Edward Wilson, un homme taciturne, méthodique, omniprésent à l’écran à tel point qu’il finit par incarner à lui seul la CIA. On va suivre ses débuts dans l’institution la plus secrète des États-Unis jusqu’à son inexorable ascension. L’acteur incarne de façon épatante ce spécialiste du contre-espionnage, nourri par la volonté de servir son pays. Il fait corps avec son personnage qui devient de plus en plus méfiant et s’isole progressivement des autres. Pourtant, certains l’auront mis en garde : « Partez pendant qu’il est encore temps, pendant que vous avez encore une âme ».

Comme on peut le voir, De Niro dresse un portrait peu flatteur de la CIA dont il relate des méthodes de travail contestables. On explique ainsi au personnage d’Edward Wilson : « L’emploi de l’information, de la désinformation, et comment leur utilisation devient finalement le pouvoir. » L’espionnage ou le contre-espionnage n’est donc pas là uniquement pour le bien commun, c’est aussi un moyen de conquérir le pouvoir. Raisons d’État montre très bien cette antinomie entre les discours de façade de ces agents secrets et la réalité qui est celle de leur réussite personnelle. Le film met bien entendu également en évidence cette culture de la surveillance propre aux Américains, le fameux « Big brother is watching », qui n’a eu de cesse de prendre des proportions toujours plus importantes.

On appréciera le fait que De Niro ait choisi une mise en scène classique, qui sied parfaitement à son propos, et à un refus du spectaculaire. On n’est pas du tout dans une œuvre hollywoodienne marquée par des scènes d’action à outrance. Au contraire, dans Raisons d’État, tout se joue en coulisses, dans les relations entre les Hommes. Dans cet univers très masculin, les femmes sont reléguées au second plan. Elles sont ignorées (la bourgeoise délaissée par son mari, jouée par une Angelina Jolie à contre-emploi, aux antipodes de son personnage fort de Lara Croft), ou abandonnées, ou assassinées. Cruel monde dont De Niro rappelle que ce sont les hommes qui tirent les ficelles…

Si Raisons d’État constitue une réussite incontestable, on pourra tout de même lui reprocher sa structure narrative faussement complexe. Le film fait de nombreux allers-retours temporels, des années 40 jusqu'aux années 60. Ces flashbacks nombreux sont certes identifiables grâce aux dates mentionnées et aux archives historiques. Toutefois, une narration moins éclatée aurait été appréciable et aurait sans doute rendu l’histoire plus facile à suivre.

Enfin, quelques mots sur le casting. Pour son second film, De Niro est parvenu à s’entourer d’une belle brochette d’acteurs. Outre Matt Damon excellent dans le rôle principal, on n’oubliera pas les performances d’Angelina Jolie, de John Turturro, d’Alec Baldwin et évidemment de De Niro lui-même, bien loin de ses pitreries dans Mon beau-père et moi.

Avec Raisons d’État, Robert de Niro s’interroge sur l’état de son pays, cinq ans après le douloureux épisode du 11 septembre 2001, passé sous les radars de la CIA. Il livre un film implacable d’une société dévorée de l’intérieur où complot et méfiance font bon ménage. Un film sombre et désabusé qui est toujours d’une étonnante actualité. Comme le dit un des personnages, « les Britanniques sont un peu plus civilisés [que nous]. Ils ne se dévorent pas entre eux. Ils le font faire par quelqu’un d’autre. »
 

Caractéristiques du blu ray édité par Rimini Editions :

L’image : On a droit à une belle version du film avec un joli travail sur les couleurs, notamment le gris dominant, parfaitement en phase avec les thématiques de Raisons d’État.

Le son : Le film est disponible en version originale sous-titrée français (à privilégier) ou dans un doublage se révélant d’excellente tenue. Le son est très bien réparti et ne soufre d’aucun défaut.

Les suppléments : Le bonus le plus intéressant est sans conteste l’excellente Présentation du film par Nathalie Bittinger (35mn15). Ce maître de conférences en cinéma analyse brillamment Raisons d’État en délivrant de nombreuses informations. Il est évident que ce supplément constitue un complément idéal au film. Il convient cependant de le consulter après avoir regardé Raisons d’État car Nathalie Bittinger révèle des éléments importants de l’intrigue. Le second bonus est occupé par des Scènes coupées qui sont disponibles uniquement en VOSTF et n’ont pas été restaurées comme le film. Il s’agit précisément de sept scènes coupées qui totalisent en cumulé 16mn38. Aucune de ces séquences – dont la durée varie de 1 à 4 minutes – n’apparaît fondamental. Robert de Niro a bien fait de ne pas les intégrer au montage final.

Titre du film : Slugs

Réalisateur : Juan Piquer Simon

Date de sortie au cinéma : 1988

Origine : Espagne

Durée : 1h29

Avec : Michael Garfield, Kim Terry, Alicia Moro, Philip MacHale, Kari Rose, etc.

Synopsis : Dans une petite ville des États-Unis apparaissent soudain des limaces géantes et carnivores qui attaquent mortellement les humains.

Sortie chez Rimini Editions depuis le 11 septembre 2026 en digipack 3 volets avec étui comportant blu ray + DVD + livret de 24 pages « De la laitue à la chair humaine » rédigé par Marc Toullec.

Pur artisan du cinéma d'exploitation espagnol, Juan Piquer Simon est un passionné de Jules Verne. Il lui a consacré trois films au début de sa carrière : Le continent fantastique (1977), adaptation de Voyage au centre de la terre ; Le mystère de l'île aux monstres (1981) et Les diables de la mer (1982). Ces films ont connu à l'époque un certain succès. Pour les amoureux du cinéma d'horreur, Juan Piquer Simon est surtout l'auteur du Sadique à la tronçonneuse, un film lorgnant du côté du slasher américain et du giallo transalpin. Une œuvre marquante par ses effets gore.

Au niveau de la violence, on est également bien servi avec Slugs (1988). A la base, il s'agit d'un roman de Shaun Hutson sorti en 1982 narrant les attaques de limaces. Il avait très bien marché en librairie par un récit mettant en avant les aspects violents et gore. Le cinéaste Juan Piquer Simon a d'ailleurs privilégié dans son adaptation le côté gore, histoire d'impressionner le plus possible le spectateur.

Comme dans le roman, Mutations (titre français du film) montre une petite ville attaquée par des limaces. Le responsable des services sanitaires de cette bourgade fait alors tout ce qu'il peut pour arrêter ce fléau. Mais la tâche est loin d'être évidente car les limaces sont très nombreuses et de taille importante (il n'y avait pas de mutation dans le roman). En outre, les autorités locales peinent à croire à l'impensable, surtout lorsqu'il y a des enjeux économiques (construction d'un centre commercial, signature de contrats avec des entreprises).

Slugs montre bien la vie quotidienne dans une petite ville des États-Unis. Pour autant on sent bien que cela n'est qu'un prétexte car on ne peut pas montrer que des attaques de limaces. Le film souffre d'un scénario simpliste puisque tout le sel de celui-ci dépend des attaques animales. Heureusement, Juan Piquer Simon est généreux à ce niveau-là et on pardonne aisément au cinéaste les facilités scénaristiques et le jeu assez moyen des acteurs. Slugs comporte plusieurs séquences-chocs. Sans révéler l'intégralité de celles-ci, citons tout de même la séquence où deux jeunes meurent dans des conditions atroces et cette scène culte où un homme est dévoré de l'intérieur par des limaces. Bien que datant de 1982 et nanti de moyens limités, le film dispose d'effets spéciaux intéressants, même de nos jours.

Mention spéciale également au traitement des limaces. D'une part, le cinéaste et son équipe ont créé des fausses limaces en plastique ou animatroniques pour donner l'impression qu'elles sont géantes. D'autre part, ils ont joué sur l'accumulation de vraies limaces, donnant une impression d'invasion.

Si le film ne cherche nullement à délivrer un quelconque message, on notera tout de même qu'il inscrit dans un courant cinématographique écologique né dans les années 70. Slugs indique clairement que ce problème de limaces de grande taille et carnivore est dû à l'usine de traitement de déchets toxiques. La nature se venge des outrages que lui fait subir l'être humain.

En fin de compte, Slugs constitue un petit film d'horreur sans prétention, n'ayant d'autre but que de divertir son spectateur par des effets de violence marquants. Bien que le budget du film ait été très limité, le résultat à l'écran est probant, qu'il s'agisse des attaques animales ou d'une séquence finale de destruction massive très efficace. A voir !

Caractéristiques du blu ray édité par Rimini Editions :

L'image : elle est de très bonne qualité. On n'a jamais vu Slugs dans de telles conditions. Une nouvelle fois, on peut oublier le DVD du film sorti le 1er février 2003 dans la collection Mad Movies sous le titre Mutations.

Le son : il est disponible en version originale sous-titrée français ou en version française. La version originale (sous-titrée français) est à privilégier. Toutefois, le doublage français est assez improbable et accroît le côté bis de l'ensemble.

Les suppléments : Rimini Editions a mis les petits plats dans les grands en proposant plusieurs bonus dans cette édition. On d'abord une interview de Lilyy Nelson (Jumpscare / Le blog du cinéma) dans le module L'attaque des limaces tueuses (17mn23) enregistré à Lyon en mai 2026. Cette fan de cinéma horrifique revient sur l'auteur du roman Shaun Huston, sur la carrière de Juan Piquer Simon, et donc sur Slugs qui utilise les codes classiques de l'attaque animale (Les dents de la mer). Le bonus est très complet et constitue un parfait complément au film. On a ensuite J.P. Simon, orfèvre du bis ibérique (25mn20). Ce bonus commenté et réalisé par Alexandre Jousse revient sur les principaux films de la carrière de Juan Piquer Simon. Le critique cinéma explique comment ont été réalisés certains effets spéciaux et il n'hésite pas à donner un avis tranché sur l'intérêt des différents films. Un module idéal pour en apprendre davantage sur un cinéaste méconnu. Enfin, les bonus s'achèvent avec une Interview audio de Shaun Hutson (9mn12). Elle a été réalisée le 19 octobre 2024 par Romain Plourde (Jumpscare podcast) à l'occasion de la venue de Shaun Hutson à Metaluna Store (Paris). On y apprend que Shaun Hutson avait été étonné par le succès de son roman Slugs ou encore qu'à l'époque de sa sortie, il avait détesté le film. Aujourd'hui, en l'ayant revu, il ne le trouve pas si mauvais. Il le considère même comme fun et divertissant.

On a également en bonus le livret de 24 pages rédigé pour l'occasion par Marc Toullec.

Titre du film : Quatre étranges cavaliers

Réalisateur : Allan Dwan

Date de sortie au cinéma : 1954

Origine : Etats-Unis

Durée : 1h17

Avec : John Payne, Dan Duryea, Lizabeth Scott, Dolores Moran, etc.

Synopsis : Dans la petite ville de Silver Lode, le jour de son mariage, Ballard est accusé de meurtre par quatre cavaliers inconnus, dont l’un, nommé Ned Mac Carthy se prétend marshall fédéral.

Quatre étranges cavaliers est un western haletant et sans doute le meilleur mis en scène par Allan Dwan. Il démarre le 4 juillet, jour de fête nationale pour les Américains, avec quatre cavaliers venus arrêter un certain Ballard au moment de son mariage. Ils l'accusent de meurtre et l'un d'eux, un marshall, dispose d'un mandat d'arrêt.

Sans conteste, le scénario de ce film est très habile. Il montre comment une population peut subitement changer diamétralement d'avis à l'égard d'un homme. Ainsi, au départ, tout le monde s'insurge contre cette arrestation et prend fait et cause pour Ballard. Or, cette union sacrée va rapidement voler en éclats devant de soi-disantes preuves mettant à mal Ballard. De victime, il devient un paria dans la ville et une chasse à l'homme s'organise à ses dépens. Le réalisateur Allan Dwan établit de façon très naturelle le volte-face des habitants. L'instigateur de cette vague de haine n'est autre que le marshall : Ned Mac Carthy.

Son nom n'a évidemment pas été choisi au hasard. Il fait référence au sénateur américain ayant lancé entre 1950 et 1954 une véritable « chasse aux sorcières » anticommuniste. Quatre étranges cavaliers sort sur les écrans en 1954, on est donc en plein maccarthysme. C'est dans ce contexte lourd que le film égraine son subtil scénario.

D'une durée ramassée (1h17), Quatre étranges cavaliers s'avère d'une redoutable efficacité. Il laisse constamment le spectateur sous tension avec son sujet extrêmement dur. Allan Dwan va droit à l'essentiel. Il ne s'égare jamais dans des sous-intrigues ou digressions. On est frappé en tant que spectateur par l'aspect sombre de l'ensemble, qui ne brosse pas un portrait bien positif de l'humanité.

Si l'action est prenante et très bien filmée (de façon pas aussi classique que ce que l'on imagine), ce long métrage ne serait pas aussi réussie sans son casting. Allan Dwan n'a aucune star ce qui paradoxalement lui permet de tirer le meilleur d'acteurs moins reconnus. John Payne est un comédien très sous-estimé, il est ici tout en retenue dans le rôle de cet homme devant sauver sa peau et souhaitant prouver son innocence. Dans le rôle du méchant, Dan Duryea est inquiétant à souhaitant. On voit qu'il attend son heure pour sauter sur sa proie. Le cinéaste Allan Dwan laisse aussi la part belle aux deux principales actrices. Mention spéciale à Dolores Moran dans le rôle de la prostituée, qui bénéficie des meilleurs dialogues.

Pour ne rien gâcher, Dwan a concocté un final magnifique, à la fois symbolique et ironique. Il en profite pour critiquer les préjugés lors d'un discours particulièrement bien senti. On ressort de la projection des Quatre étranges cavaliers avec le sentiment d'avoir assisté à un grand western. Incontestablement, Allan Dwan a su tirer parti d'un budget modeste (environ 800 000 dollars) pour en tirer la substantifique moelle. Voilà une œuvre méritant d'être bien mieux reconnue.

Titre du film : The Mafu cage

Réalisatrice : Karen Arthur

Date de sortie au cinéma : 1978

Origine : Etats-Unis

Durée : 1h42

Avec : Lee Grant, Carol Kane, Will Geer, James Olson, Will Sherwood

Synopsis : Dans une maison envahie d'art africain, Ellen vit avec Cissy, sa jeune sœur démente qui garde dans une cage un primate hérité de son père anthropologue. A force de maltraitance, il meurt : comme les précédentes fois, elle réclame alors un nouveau singe.

Après Legacy, The mafu cage est le second film (et malheureusement le dernier !) de cinéma de la réalisatrice Karen Black, qui se tournera ensuite vers la télévision. Il s'agit de l'adaptation d'une pièce de théâtre française, Toi et les nuages d'Eric Westphal.

N'y allons pas par quatre chemins, The mafu cage est un implacable huis-clos débutant gentiment pour progressivement distiller son venin. Le film s'ouvre ainsi par la découverte d'un salon où sont jonchées de nombreuses plantes exotiques, des objets et meubles africains. C'est dans cet univers pour le moins singulier que se repose dans un hamac une jeune femme à la mine angélique, Cissy. Elle vit dans cette grande maison avec sa sœur aînée, Ellen. La cinéaste Karen Black prend son temps – peut-être un peu trop d'ailleurs, mais on ne le regrettera pas – pour exposer la situation.

Juste à côté du salon, se trouve une cage destinée à un singe, prénommé mafu. Ce macaque est destiné à occuper les journées de la fameuse Cissy, puisqu'elle passe toutes ses journées dans la maison (ou au mieux dans le jardin) en attendant le retour de sa sœur Ellen qui elle travaille en tant qu'astronome. Avec ce singe présent dans le quotidien de Cissy, on peut s'attendre à une histoire dans le style de Max mon amour (1986) de Nagisa Oshima. Cela n'est absolument pas le cas. Dans le film d'Oshima, il est question d'un amour hors-normes, contre-nature. Dans le film de Karen Black, le (pauvre) singe sert d'exutoire à la folie de Cissy.

Car la jeune femme est malade et c'est la raison pour laquelle elle ne sort jamais. Elle est sujette à de nombreuses crises et s'en prend dans ces cas-là à tout ce qu'elle a sous la main, en l’occurrence le singe.

Incontestablement, The mafu cage est un film sur l'enfermement. Evidemment, le singe est enfermé dans sa cage où les barreaux et les chaînes le destinent à un avenir funeste. Mais Cissy est également enfermée à la fois sur le plan matériel puisqu'elle est isolée dans cette maison et victime également de sa psyché détraquée, l'empêchant de vivre normalement comme tout un chacun. De son côté, sa sœur Ellen est enfermée dans un quotidien morne dont elle ne parvient pas à s'échapper. Elle ne peut se permettre d'avoir une relation stable et épanouie avec un homme, sa sœur l'accaparant. Surtout qu'elle cache (protège?) sa sœur du monde extérieur.

Quelle solution s'offre à Ellen ? Elle refuse de faire faire voir à un psychiatre et encore moins à l'enfermer dans une institution. On voit bien qu'elle prend soin de sa sœur et doit s’accommoder à ses nombreuses crises de folie. Sans être un thriller, le film crée un véritable suspense car on se demande bien comment Ellen va maintenir l'équilibre fragile de cette famille. D'ailleurs, on peut se demander si elle n'est pas elle-même sous l'emprise de sa sœur qu'elle tente de protéger. La question mérite d'être posée et la réponse n'est pas si évidente.

Comme on peut s'en douter, ce fonctionnement en vase clos engendre des frustrations. Le film aborde de façon insidieuse la question de la frustration sexuelle qui gagne les deux sœurs et engendre des réactions très différentes. D'un côté, Ellen tente un échappatoire en étant sensible aux avances d'un collègue de travail. De l'autre, Cissy, obsédée par la figure masculine du père, s'en prend à ces pauvres singes. Au milieu de tout cela, on semble s'aventurer sur un autre territoire mouvant, avec la question d'un inceste latent.

Lorsqu'il est bien lancé, The mafu cage est implacable. Et comme on peut s'en douter, tout cela risque de mal terminer. Le spectateur n'est d'ailleurs pas au bout de ses surprises avec une fin particulièrement nihiliste qui risque d'en laisser plus d'un sur le carreau.

Nul doute que ce film brillant ne serait pas réussi sans une distribution au top. L'actrice Carol Kane crève l'écran dans le rôle de Cissy. Avec sa bouille angélique, elle est épatante en jouant cette femme-enfant désoeuvrée, sujette à des crises d'une violence inouïe. Carol Kane fait corps avec son personnage alors que dans un rôle aussi difficile, on a tôt fait de tomber dans un excès ridicule, ce qui n'est pas le cas ici.

Au final, The mafu cage est une excellente adaptation d'une pièce de théâtre mais aussi un sacré tour de force de traduire à l'écran une maladie mentale. C'est un cas psychanalytique passionnant à étudier. Le film reste toutefois à conseiller à un public averti, car la violence psychologique et les thèmes évoqués ne seront pas du goût de tous.

Titre du film : Centurion

Réalisateur : Neil Marshal

Date de sortie au cinéma : 7 juillet 2010

Origine : Royaume-Uni

Durée : 1h37

Avec : Michael Fassbender, Olga Kurylenko, Dominic West, Imogen Poots, Liam Cunningham, etc.

Synopsis : 117 après Jésus-Christ : l’Empire Romain règne sur tout l’Occident. Pourtant, aux confins glacés du nord de l’Angleterre, l’armée romaine se heurte à la tribu des Pictes, des barbares sanguinaires qui maîtrisent parfaitement l’environnement.

Le britannique Neil Marshall s'est fait un nom dans le milieu du cinéma (horrifique) avec des longs-métrages comme Dog soldiers (2002) et Doomsday (2008) mais surtout le magistral The descent (2005). Avec Centurion (2010), Marshall s'attaque au péplum. Le scénario est relativement simple : une légion romaine est massacrée par une tribu sauvage, des Pictes, qui refusent de se soumettre à Rome. Le seul survivant, le centurion (d'où le titre du film) Quintus Dias rejoint une autre légion romain.

S'il s'agit d'un péplum, Centurion est dans la continuité de l'oeuvre de Marshall. Il peut se résumer à une traque qui se termine en « survival ». On assiste ainsi à la lutte entre les rescapés d'une légion romaine et une tribu de guerriers pictes, dont le général est un ancien romain.

Le rythme du film est frénétique, les scènes d'action sont nombreuses et efficaces. Elles sont particulièrement lisibles et très brutales. Neil Marshall fond parfaitement ses thématiques dans ce péplum. Il retranscrit bien l'aspect violent de cette époque (cf l'attaque du camp picte au début).

On appréciera la présence de nombreux figurants, donnant une ampleur à ces séquences. Centurion ne fait absolument pas fauché. Il a été tourné quelques années après le succès de The descent, ce qui a dû aider Marshall à disposer des moyens de ses ambitions. On songe notamment à ce premier combat marquant où la neuvième légion subit une déroute.

Contrairement à ce que l'on pourrait penser, ce long-métrage n'a rien de manichéen. D'ailleurs, Neil Marshall critique plus les Romains que les Pictes. Les Romains sont prêts à tout pour étendre leur royaume, quitter à sacrifier leurs propres soldats. Les hommes de cette neuvième légion ne sont que des pions et on comprend leur dégoût. Le général de cette légion n'a toutefois rien à voir avec les aristocrates romains qui tirent les ficelles. C'est un homme de terrain faisant corps avec ses hommes. C'est un beau personnage. Autre personnage masculin remarquable : le centurion Quintus Dias (Michael Fassbender, excellent). Ce fils de gladiateur s'est affranchi et a acquis la nationalité romaine. Il est de plus en plus dégoûté de la guerre et a conscience d'être utilisé par les Romains. Il se bat plus pour ses camarades de traque que pour Rome.

Comme dans The descent ou dans Doomsday, Marshall fait la part belle à ses personnages féminins. Ce qui n'est pas évident pour des films d'action très axés « testostérone ». Ici, la guerrière picte, Etain (Olga Kurylenko, un de ses meilleurs rôles) est une héroïne sanguinaire ayant ses raisons d'agir ainsi. C'est un personnage très intéressant dont on découvre progressivement les motivations. Quant à Arianne (Imogen Poots, belle sensibilité déployée), c'est une picte considérée comme une sorcière. Mise au ban de sa société, elle est condamnée à vivre dans un lieu hors du monde. Elle devient la bouée de sauvetage du centurion. Les deux personnages nous offrent de belles scènes d'émotion.

On notera également que Neil Marshall tire parti de magnifiques décors naturels : montagneux, forestiers, enneigés. Le réalisateur alterne efficacement les plans larges sur les scènes de traque et les plans plus resserrés sur les scènes de combat ou intimistes.

En synthèse, Centurion se situe largement au-dessus de la mêlée. Il transcende un scénario convenu par son aspect débridé, son rythme trépidant et sa distribution de qualité. Il bénéficie tout de même de la prestation affirmée d'acteurs tels que Michael Fassbender, Olga Kurylenko et Imogen Poots. Ce péplum méconnu mériterait de sortir de l'ombre.

Titre du film : David

Réalisateurs : Phil Cunningham et Brent Dawes

Date de sortie au cinéma : 18 mars 2026

Origine : Etats-Unis

Durée : 1h49

Avec les voix de : Elie Semoun, Fabienne Carat, Timéo, Jessie Amseli, etc.

Synopsis : David est un jeune berger drôle et pétillant, dont la voix envoûtante émerveille sa famille et le roi Saül. Lorsque le géant Goliath vient terroriser son peuple, David, armé uniquement d'une fronde, de quelques pierres et d'une foi inébranlable, s'avance.

Editeur : Saje Distribution

En blu ray et en DVD depuis le 17 juillet 2026
 

Saje Distribution est une société spécialisée dans la diffusion de films d'inspiration chrétienne. Cette année, elle a distribuée en blu ray et DVD Le roi des rois, un film d'animation sur la vie de Jésus-Christ. C'est un long métrage destiné à toute la famille vulgarisant l'histoire du Christ. Avec David, Saje édite un autre film d'animation, traitant cette fois du plus célèbre roi d'Israël. Le but est manifestement le même que pour Le roi des rois, à savoir dépoussiérer un mythe chrétien et le rendre accessible au plus grand nombre.

Ce choix s'avère payant puisque le film David a connu un grand succès aux Etats-Unis (sortie le 19 décembre 2025), rapportant 83 millions de dollars au box office. En France, Saje distribution l'a sorti en salles le 18 mars 2026 de manière plus confidentielle.

Réalisé par les Sud-Africains Phil Cunningham et Brent Dawes de Sunrise Animation Studios, David est une œuvre agréable à regarder. Ce film d'animation respecte dans les grandes lignes l'histoire de David. Il s'agit d'un gardien de mouton, appelé par le roi Saül pour le calmer par ses chants. Evidemment, on a droit à l'épisode avec le géant Goliath, le plus dangereux des Philistins. Et puis progressivement le roi Saül devient jaloux de la notoriété grandissante de David.

Il est donc finalement logique que ce film d'animation comporte plusieurs scènes chantées, qui sont entraînantes et même parfois émouvantes. Il est évident que David est destiné à un public jeune ou à un public familial. D'ailleurs, les personnages font paraissent globalement enfantins. Pour autant, leurs traits ont bien été travaillés.

L'animation en elle-même se révèle de qualité. L'environnement est très détaillé et rend ce dessin animé fort sympathique à visionner. Pour ne rien gâcher, l'animation est fluide et sans temps mort. Qu'il s'agisse des scènes chantées (qui ont toutes du sens), des scènes d'action ou de scènes plus intimistes, on ne s'ennuie pas une minute.

Les catholiques devraient apprécier le message religieux véhiculé tout au long du film. En effet, le film est émaillé de nombreuses références à Dieu : « Avec Dieu à nos côtés, moi je l'affronterai » (David à propos de Goliath) ; « La couronne appartient au seigneur » ; « Mon seul désir : le voici. Etre avec le seigneur. » Les personnes non croyantes seront sans doute moins réceptives à ce propos.

En synthèse, David est un petit film ludique sans prétention, bénéficiant d'une belle animation, d'images magnifiques et de scènes chantées agréables (mention spéciale à Shalom). Le doublage français avec les voix de Timéo, de Fabienne Carat, de Jessie Amseli et d'Elie Semoun est lui aussi de qualité et n'a rien à envier à la version originale. Voilà autant de raisons de découvrir l'histoire de David, symbole de la justice, de la pureté et du désintéressement.

Caractéristiques du blu ray édité par Saje Distribution :

L'image : elle est resplendissante. Rien à redire, les couleurs sont chatoyantes.

Le son : il est très réparti dans l'espace, qu'il s'agisse de la version française en 5.1 ou de la version originale (des sous-titres français sont disponibles) également en 5.1. On louera l'initiative de Saje distribution d'avoir mis en place deux options : l'audiodescription et des sous-titres pour sourds et malentendants.

Les suppléments : Le premier bonus est une interview de l'équipe du film (16mn10). Il s'agit en fait de courtes interventions des personnes ayant participé au doublage français à savoir Elie Semoun, Fabienne Carat, Timéo, Jessie Amseli mais aussi Georges Costa, le directeur artistique du doublage. On apprend peu de choses, sinon que ces doubleurs ont beaucoup apprécié de travailler sur ce film d'animation qu'ils trouvent magnifique. Le second bonus comporte les clips (12mn09 en cumulé) de Adventure song, Shalom, Tapisserie et Vers la lumière. Dans ces clips reprenant des images du film, on aperçoit par moment les doubleurs en pleine action.

Titre du film : The stuff

Réalisateur : Larry Cohen

Date de sortie au cinéma : 1985

Origine : Etats-Unis

Durée : 1h27

Avec : Michael Moriarty, Andrea Marcovicci, Scott Bloom, Paul Sorvino, etc.

Synopsis : Tout le pays ne parle que de ça, une nouvelle substance au goût irrésistible, baptisée The Stuff. C'est devenu LE dessert à la mode. Agacée, la concurrence charge David Rutherford, un ex-flic aux méthodes douteuses, de découvrir le secret de ce produit miracle.

En coffret blu ray + DVD + livret de 24 pages « Du Blob au dessert » rédigé par Marc Toullec chez Rimini Editions le 7 août 2026

Après avoir édité Meurtres sous contrôle (1976) et Epouvante sur New York (1982), l'éditeur Rimini Editions sort un nouveau film de Larry Cohen (1936-2019) : The stuff. Rappelons que Larry Cohen est le créateur de la célèbre série Les envahisseurs (1967-1968). Il est aussi connu pour ses petits films d'horreur des années 70-80, en particulier Le monstre est vivant (1974) et le paranoïaque Meurtres sous contrôle.

Avec The stuff, qu'il produit, écrit et réalise, Larry Cohen livre une comédie horrifique satirique d'excellente tenue. Comme à son habitude, il va droit au but. Dès le départ, une substance blanche - délicieuse - sortie de terre est rapidement commercialisée en tant que crème glacée. Elle devient le produit incontournable que tout le monde s'arrache. Mais le stuff (que l'on peut traduire en argot par le mot drogue) est quelque chose de spécial. C'est un être vivant venant de l'espace finissant par prendre le contrôle des gens qui l'ingurgitent à haute dose.

Larry Cohen renoue avec la thématique d'invasion extraterrestre et la paranoïa qu'elle engendre. On songe évidemment à L'invasion des profanateurs de sépultures (1956) de Don Siegel ou à la série des Envahisseurs. Une différence notable toutefois : le ton du film. The stuff n'a rien d'une œuvre sérieuse et se révèle une comédie sarcastique. Doté d'un rythme trépidant, ce long métrage suit les pérégrinations d'un détective privé chargé de découvrir les secrets de fabrication du stuff. Michael Moriarty, déjà acteur principal dans Epouvante sur New-York, incarne à merveille cet enquêteur déterminé et espiègle.

Si le film date de plus de 40 ans, son propos est toujours d'actualité. Il critique à tout-va notre société de consommation jusqu'au-boutiste. Larry Cohen constate la dépendance à cette crème glacée addictive, dont la nocivité est claire (mais bien cachée). Il pourrait faire la même démonstration avec le tabac, l'alcool ou la drogue. Plus proche de nous, on pourrait citer le smartphone dont de nombreuses personnes sont accros.

A l'époque de The stuff, Cohen ciblait le Coca-Cola dont on ignore la composition exacte et qui est mauvais pour la santé. La firme Coca-Cola met sans cesse en avant sa marque à grand renfort de publicité.

A cet égard, on appréciera dans The stuff les nombreuses (fausses) publicités crées pour l'occasion afin de vanter les mérites du stuff. La première publicité est hallucinante avec ces femmes en maillot de bain, vêtues en fourrure, vantant les mérites de la crème glacée. Et que dire des slogans accompagnant les diverses pubs : « The stuff le dessert qu'on prend sans avoir faim » ; « Stuff le dessert qui vous rend heureux ». On ne parle évidemment jamais du contenu du stuff. Tous les coups sont permis pour vendre ce produit addictif.

La société capitaliste est dans le viseur de Larry Cohen avec ces grands groupes industriels, peu scrupuleux et prêts à tout pour faire de l'argent. Si le côté horrifique du film plaira aux amateurs du genre, c'est bien la description d'un monde capitaliste sans foi ni loi et d'une société consumériste qui constitue son attrait principal.

Franc-tireur du cinéma indépendant américain, Larry Cohen s'en est donné à cœur joie sur ce film. The stuff est toujours aussi mordant actuellement pour son propos caustique. Voilà une œuvre impertinente et intelligente à (re)découvrir.

Caractéristiques du blu ray édité par Rimini Editions :

L'image : elle est superbe. Aucun défaut constaté. On peut aisément remplacer le DVD édité naguère avec le magazine Mad Movies à la fin des années 2000.

Le son : il est disponible en version originale sous-titrée français ou en version française. La version originale est à privilégier car elle relate précisément les propos des différents acteurs. Cela n'est pas toujours le cas du doublage français qui modifie le sens de certaines phrases.

Les suppléments : Rimini Editions nous a gâté pour cette nouvelle édition de The stuff. On a d'abord une présentation du film par Mylène Da Silva (13mn58). Cette dernière évoque de manière pertinente les différentes thématiques de The stuff. Elle nous révèle également plusieurs anecdotes croustillantes, notamment tout le marketing que souhaitait mettre en place Larry Cohen lors de la sortie de son film. Voilà un complément idéal au film qu'il est préférable de regarder après avoir vu The stuff.

Le second bonus est un (ancien) documentaire intitulé Le stuff, vous n'en aurez jamais assez ! Doté d'une durée conséquente (52mn08), il comporte des interviews croisées de Larry Cohen, de l'actrice Andrea Marcovicci, d'un co-producteur du film, d'un responsable des effets spéciaux et d'un critique cinéma. Chacun évoque ses souvenirs du film et du tournage. C'est un bonus dédié aux fans « hardcore » de The stuff qui souhaitent en savoir plus sur les origines du film et sur le tournage de celui-ci. On apprend par exemple que l'idée du stuff est venue à Larry Cohen lorsqu'il prenait sa douche ! Le réalisateur se plaît également à mentionner qu'il en demande beaucoup à ses acteurs lors du tournage. Enfin, le stuff est différent selon les situations du film : c'est parfois une mousse en latex, un véritable yaourt, de la crème à raser ou du ciment liquide. Documentaire sympathique mais dispensable.